jproldan

Live and Let Paul¡¡¡¡¡¡

2011-05-13T13:46:00.005-04:00

El británico desarrolló una gran presentación de su gira “Up and Coming Tour”, llena de éxitos de diferentes épocas, y cautivó como pocos saben hacerlo en el principal anfiteatro capitalino.

Por Juan Paulo Roldán

Con “Hello Goodbye”, un clásico psicodélico del filme “Magical Mistery Tour” de 1967 comenzó el concierto de Paul McCartney en el Estadio Nacional en la capital chilena.

Ante unos 53 mil enfervorizados fans de distintas generaciones, terminó una larga espera de casi 18 años por escuchar al bajista más famoso de la historia del rock, quien con su “Hofner Violin Bass” encendió la nostalgia en el tradicional recinto ñuñoíno.

Vestido con las tradicionales “botas Beatle”, el británico de 68 años demostró porque sigue vigente después de casi cinco décadas de éxitos, iniciados una fría tarde de septiembre con aquella sencilla grabación de “Love Me Do” en los míticos estudios Abbey Road junto a sus amigos John, Ringo y George, los “Fabulosos Cuatro”.

Las imágenes de colores amarillos y naranjas, como en la película “Submarino Amarillo” inundaron los rostros de los fanáticos de “Macca”, que independiente de sus edades, ideales políticos o lugares de procedencia, se transformaron por unos minutos en un afinado coro de voces para entonar una seguidilla de himnos de talla mundial producidos en esa prolífica factoría de éxitos bajo la firma “Lennon/McCartney”, en una década donde la guerra fría separaba al mundo en dos bloques.

El bueno de Paul sabe de tocar en grandes escenarios y en minutos conquistó al público aprendiendo modismos y catalogando de “chiquillos” a los asistentes, sin importar la fecha que indica el carnet. En sus recitales prácticamente no se siente el paso del tiempo; los mayores disfrutan como “cabros chicos” y los veinteañeros viajan a una época extinta: la de los inolvidables 60, donde las guitarras eléctricas cobraron un protagonismo poco antes visto.

El show continuó con “Jet” el segundo track del magistral disco “Band On The Run” de 1973, el considerado mejor trabajo del músico como solista y parece que el Nacional se viene abajo, como una pequeña réplica grado 4 del terremoto musical que provocaría en las siguientes dos horas y media de concierto, donde el músico ni siquiera se detiene a tomar un vaso de agua.

El sonido no es perfecto, pero a nadie le importa porque en las pantallas aparecieron las imágenes de “A Hard Day´s Night”, la primera película de los Beatles y explota la histeria de los asistentes con “All My Loving”, una canción tan sencilla, pero a la vez tan directa, que mantiene una frescura inédita pese al transcurso del tiempo.

Los fanáticos de Wings alucinan con “Letting Go”, tema en clave rockero donde Paul suena muy cercano a su grabación original. Luego, se ajusta el bajo y comienzan las primeras cadencias de “Drive My Car”, canción que inaugura el setlist de “Rubber Soul” de 1965, mientras en las pantallas gigantes los modelos de diversos automóviles compiten por la atención del público.

Sigue con “Sing The Changes”, la única canción de su último trabajo como solista, mientras Barack Obama aparece a ratos en las pantallas gigantes. Nunca ha negado su cercanía con el presidente de Estados Unidos, a quien le cantó hace unos meses en la Casa Blanca y a su esposa Michelle.

Con “Let Me Roll It” conecta su guitarra Gibson Les Paul de color rojo y vuelve nuevamente a los 60 para versionar a Hendrix y su “Foxy Lady”. McCartney demuestra sus pergaminos como guitarrista y le tapa la boca a todos quienes cuestionaban su versatilidad en las seis cuerdas. “Macca” es más que un buen bajista y compositor, también es un excelente intérprete con la distorsión, tal como lo demostró en 1966 con el clásico solo de “Taxman”, obra que marca el inicio del disco Revolver.

Se sienta al piano y con dos escalas de blues en tonalidad menor, trae la nostalgia del fin de la carrera de Los Beatles con “The Long and Winding Road”, uno de los mejores tracks de “Let It Be” de 1970. Logra sacar suspiros entre las fanáticas y no son pocos los que contienen la respiración para evitar caer en el llanto. Algo similar ocurre con “Something”, que le dedica a su amigo George, muerto en el 2001. El sonido de la guitarra eléctrica de Rusty Anderson, emula el tradicional solo del tema original.

Las pantallas se inundan con imágenes de Harrison bromeando con Paul o grabando decenas de clásicos en los estudios en Londres. Uno de los puntos más altos de la noche. En esos instantes poco importaba el frío o los problemas de audio del comienzo. El sonido se estaba ajustando a lo esperado.

Antes, el set acústico de “Blackbird”, “And I Love Her” y “Here Today”, logró cautivar al público acercando al artista como si estuviera tocando en el living de tu casa. Los violines de “Eleanor Rigby” en las manos del tecladista Wix Wickens, situó a los asistentes en una de las composiciones más profundas del británico, donde las cuerdas acompañan la historia de una solitaria mujer, que muere sin que nadie vaya a su funeral.

“Band On The Run” merece un párrafo aparte. La canción en tres actos es interpretada con una fidelidad al disco, que en ocasiones da escalofríos y parece estar escuchando el vinilo en la radio. Mientras en las pantallas gigantes aparecen los actores que conformaron la portada del álbum de 1973, entre ellos Christopher Lee, el mismo que hace de “Saruman” en el Señor de los Anillos.

Mc Cartney sabe que su música es una muestra esencial del siglo XX y conecta la misma guitarra con que grabó “Paperback Writer” en el 65. Sus instrumentos podrán ser objetos de un museo, pero en el escenario se conectan y se aprovechan al máximo. El sonido no puede ser más parecido a la grabación original cuando ocupaban el “Double Tracking” en las voces y aunque el registro no es el mismo, los efectos vocales de su versátil cuarteto instrumental, borran toda huella del tiempo y el viaje es sin retorno.

Continúa con “A Day In The Life”, el tema orquestal que cierra “Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band” de 1967 y vuelve a homenajear de paso a Lennon, lo que emociona a los presentes.

En la segunda mitad del concierto, se sienta al piano y realiza una emotiva versión de “Let It Be” mientras las velas en la pantalla gigante y los celulares iluminan por completo el Estado Nacional en una muestra inédita de regocijo, de silencio y de veneración, disfrutando de un testamento musical de 40 años, que dura sólo tres minutos y medio.

Paul sigue con una deslumbrante interpretación de “Live and let Die”, entre medio de una enorme parafernalia pirotécnica, sacada de las mejores películas de James Bond.

“Hey Jude” uno de los singles más exitosos del cuarteto, suena por los parlantes y el coro final recorre cada rincón del anfiteatro y de las cuadras aledañas. Los celulares de los asistentes nuevamente alumbran como si fueran velas, lo que será uno de los momentos más inolvidables del concierto.

Otra vez, “Macca” da la posibilidad de escuchar las canciones con los mismos instrumentos ocupados en las grabaciones y se acomoda una antigua guitarra electroacústica Gibson, la misma que ocupó en la grabación del disco “Help” y en su presentación frente a millones de telespectadores del Show de Ed Sullivan. El sonido es mágico, el silencio emerge y un aire de calma se siente en el entorno.

McCartney contraataca después con “Helter Skelter”, canción que elaboró para competir con The Who en 1968, cuando leyó en una entrevista sobre la grabación de “I Can See for Miles” la que era considerada la obra más “pesada” en esos años y el bajista demuestra que es más que un compositor de melodías melosas y agradables al oído, poniendo un pie en los albores del Hard Rock o del Heavy Metal, varios años antes.

Con “Sgt Pepper´s Reprise” y “The End” culmina una gran presentación y los asistentes se retiran con la sensación de haber asistido a una clase de historia del rock, pero con el protagonista más vivo que nunca, “aquí y ahora” (Here Today) y no sólo pegado en el “ayer” (Yesterday) como cantaba Paul hace unos minutos, acariciando su vieja pero noble guitarra.

Adios a Michael Jackson: el ídolo de mi infancia

2009-06-26T17:12:00.003-04:00

Adios a Michael Jackson: el ídolo de mi infancia

Por Juan Paulo Roldán

Se murió Michael Jackson a los 50 años. A semanas de volver a los escenarios en Londres y con este hecho se marca el fin de una época musical, marcada por los sintetizadores, las baterías programadas, los pasos de baile sincopados y una voz aguda, que nunca tuvo competidores.

Ya a los seis años marcaba un estilo de cantar y bailar en la disquera Motown, desde donde salieron talentos como Stevie Wonder o Lionel Ritchie. Muchos años después se juntarían para cantar por los niños de África.

Conversando con mi esposa, tenemos la imagen de un cantante que nunca iba a llegar a viejo, pues siempre fue niño, como una especie de Peter Pan, que se negaba a crecer, a asumir responsabilidades, a llevar bien las cuentas o a usar una corbata ceñida al cuello. Su paraíso Neverland fue una muestra de esa forma de vida. Como todo Rey, tenía que morir de manera sorpresiva, le pasó a Elvis, también a Lennon, a Cobain y porqué no también a Michael.

Jackson era un torbellino de baile, de talento, de angel y de olfato musical, que con sus canciones marcó una época. Qué sería de la industria musical sin sus alegres melodías, sus pasos inconfundibles y su pirotecnia en el escenario, un ejemplo para la música elaborada en Estados Unidos para el mundo.

Fue pionero en la década de los 70, pero en los 80 llegó lejos con su disco Thriller, el más vendido en la historia. Compró las canciones de los Beatles y de paso se peleó con Paul McCartney, pero eso no fue un impedimento para ser la voz de una década y transformarse en un referente para muchas generaciones.

Su música será eterna y aunque se extrañará sobre los escenarios, nadie podrá decir que en esos 50 años, Jackson fue mezquino porque comenzó a trabajar desde muy pequeño, cuando se transformó en la principal esperanza de la familia para salir de la pobreza.

Aún recuerdo cuando daban los especiales de sus videos en la TV y junto a mi familia, nos quedábamos viendo las caras que cambiaban en el final de Black or White, los muertos que bailaban en Thriller o los faraones que transformaron a Egipto en una pista de baile en Remember The Time.

Fue un pionero en su época y como le sucede a muchos genios, durante el último tiempo, se demoró mucho en grabar sus discos, situación que lo dejó lejos de la vanguardia musical.

Thriller y Off The Wall son sus mejores discos, pero su herencia musical es incalculable. Una pena para los fanáticos, pero su aporte permanece intacto entre quienes disfrutamos cada uno de sus éxitos y sus extraordinarios pasos de baile.

Imaginate que son Los Beatles

2009-06-24T10:23:00.001-04:00

The Beats en el Municipal de Viña

Imagínate que son Los Beatles

El quinteto argentino se presentó durante más de dos horas y logró levantar del asiento a algunos cincuentones que vibraron con los clásicos de Liverpool.

Por Juan Paulo Roldán

Con el clásico de 1967, “All You Need Is Love” y el “Flower Power” instalado en el escenario del Teatro Municipal de Viña del Mar, comenzó el show de la denominada “mejor banda beatle del mundo”, The Beats.

El concierto comenzó con puntualidad inglesa a las 20 horas, pero el recibimiento del público fue tibio en los primeros 15 minutos, debido a que el sonido no fue óptimo al principio.

“Hello Goodbye”, “I Me Mine”, “One After 909”, “Don´t Let Me Down”, “I Will”, “You´ve Got To Hide Your Love Away”, fueron números bastante logrados por la agrupación conformada por los trasandinos Patricio Pérez (George Harrison), Diego Pérez (John Lennon), Rubén Tarragona (Paul McCartney), Martín Álvarez (Ringo Starr) y Esteban Zanardi (Tecladista).

El mejor momento de la noche vino con la interpretación de los clásicos “A Hard Day´s Night”, “If I Fell”, “Help” y “Yesterday”, ocasión en que el grupo sonó más afiatado y con un sonido muy similar al original.

Con la guitarra de 12 cuerdas Rickenbacker, destacó el virtuosismo de Patricio Pérez en los solos de George Harrison y la similitud del registro vocal de Diego Pérez, quien en “Strawberry Fields”, “Imagine” y “A Day In The Life” realmente fue la copia más cercana en el mercado al tono nasal de John Lennon.

Un párrafo aparte merece la interpretación del Ringo argentino en la percusión de “Strawberry Fields”, quien pudo emular el sonido de tres baterías con la utilización de dos baquetas para timbales de orquesta.

Los asistentes se quedaron con gusto a poco, después de dos horas de show y los argentinos accedieron a tocar tres temas fuera de programa: “Eight Days a Week”, “Twist and Shout” y “Rock and Roll”.

Fue un espectáculo brillante y preocupado hasta en los mínimos detalles, desde la estética del grupo hasta el sonido de los instrumentos, pero lamentablemente The Beats abusó de la utilización de extensos videos para justificar su trayectoria con diversas presentaciones en televisión, lo que a momentos aburrió al público, e incluso se sintieron pifias.

A ninguno de los asistentes, le quedaron dudas respecto a su sitial como “la mejor banda beatle del mundo”, pero no era necesario repetirlo tantas veces.

Pese a todo, la calidad de la banda despertó al Municipal de Viña como no se sentía hace tiempo y ni los cincuentones más estirados dudaron de bailar “Twist and Shout” y gritar con los melenudos.

Por un instante, se imaginaron un mundo mejor, sin fronteras, ni religiones y se imaginaron que estaban escuchando a los verdaderos Beatles, lo que es doblemente meritorio.

José Luis Pérez en Radio Biobio Valparaíso

2009-06-08T11:01:00.002-04:00

Este jueves 11 de Junio a las 22 horas, el cantante y compositor nacional José Luis Pérez, se presentará en el programa "Hoy en La Radio", conducido por la periodísta Karen Cortés en los estudios de Bio Bío, La Radio de Valparaíso.

En la oportunidad, el joven interprete repasará sus 6 años de carrera musical, comentará del rodaje de su primer video clip del single "Dímelo Tú", y comentará respecto de su próxima participación en un encuentro internacional de músicos italianos y chilenos a realizarse en la región; y organizado por el productor musical Marcelo Luque desde Milán, Italia.

Elton John en Chile

2009-01-30T13:14:00.006-03:00

Elton John en Chile: El amor se sintió en la noche santiaguina

Por Juan Paulo Roldán

Es curioso. Sobre el escenario, el británico Elton Johh (61 años) deja de lado sus extravagancias, las rosas sin espinas con tallo de 11 centímetros que adornaron su camerino, los zapatos con plataforma o sus enormes colecciones de lentes con brillantes.

Reginald Kennett Dwight (su verdadero nombre) se ve más sencillo cuando se sienta detrás del piano a cantar sus grandes clásicos. Hasta se da el tiempo para firmar algunos discos de vinilo de un grupo de fanáticos. Se vuelve albackstage con un gorro con los colores de la bandera, que dice “Chile” con letras blancas y se retira haciendo el gesto de la paz con los dedos.

Pareciera que el escenario es el verdadero hábitat de este artista que con más de 250 millones de discos vendidos pareciera tenerlo todo para ser exitoso y retirarse de la escena musical. Pero Elton John es inquieto, trabajólico y prefiere seguir tocando el piano, grabando discos y dando más de 100 conciertos al año.

Las luces se encienden y el piano comienza a sonar en medio de una sinfonía de sintetizadores. “Funeral For a Friend/Love Lies Bleeding”, el clásico que abre “Goodbye Yellow Brick Road” – su disco más existoso- despierta al Movistar Arena que seguía embelezado con la voz pastosa del telonero James Blunt.

“Madman Across The Water” y “Levon” son dos temas para fanáticos, que John interpreta en versiones extensas con virtuosos solos. El público recién comienza a tararear “Tiny Dancer”, canción que se hizo conocida por la escena del bus en “Almost Famous” de Cameron Crowe.

Los puntos más altos de la noche: la interpretación al piano de “Candle In The Wind”, dedicado a Marilyn Monroe; “Goodbye Yellow Brick Road”; “Don´t Let The Sun Go Down On Me”; “Crocodrile Rock” (cantada por todos); “Saturday Night´s Alright For Fighting”; “Honky Cat” (no la interpretaba desde la década de los 70) y “Believe”.

Después de una breve pausa, el británico cerró con dos clásicos románticos: “Can You Feel The Love Tonight” de la banda sonora de “The Lion King” y “Your Song”, un temazo que compuso en el living de su casa cuando no era famoso ni en el barrio.

En 2 horas y media, el amor se sintió en la noche santiaguina y las 10 mil personas se retiraron satisfechas de haber compartido una jornada musical extenuante pero a la vez necesaria: es en el escenario donde Elton John deja de lado sus excentricidades para sentarse al piano a cantar. Tal como lo hacía hace 40 años cuando componía sus canciones en el living de su casa y nadie lo conocía.

Adios a las disquerías de Viña

2009-01-06T12:56:00.004-03:00

Por Juan Paulo Roldán

Somos una especie en extinción, lo reconozco. Ya no somos tantos los que vamos a las disquerías a revisar los estantes y ver las carátulas de los álbumes, donde llamaban la atención los colores, el tamaño de las letras o las imágenes cargadas de conceptos, como pequeñas obras de arte que en su interior encerraban un manantial de notas musicales.

Ahora la música se lleva en el computador, en el Ipod, en el celular o en el MP4 y se baja de Internet de manera gratuita o cancelando una cifra exigua: no hay que esperar meses a que lleguen los discos a Chile o tener un tío marino para que lo traiga de Estados Unidos o Europa.

La música se transa fácilmente en la red y se accede incluso a los trabajos de los artistas, antes de que lleguen a las tiendas. Viva la democratización de las canciones, que pueden agruparse u ordenarse de manera libre, sin tener que esperar que los sellos compilen tus propios “greatest hits”.

Sin embargo, no puedo dejar de lado la nostalgia que encierra la compra de discos en una tienda de música. La reflexión se produjo luego de que cerraran grandes disqueras en pleno centro de la Avenida Valparaíso (algunos se acordarán de la fabulosa Spec de la galería Pleno Centro o la enorme Set Musical al lado del Cine Arte).

Recuerdo a mi tío Marcelo, que viajaba de La Ligua para comprar un vinilo de The Beatles o un concierto de Elton John en el Madison Square Garden.

Esas tardes de verano eran un acontecimiento para nosotros y toda la familia se volcaba a las tiendas a escuchar música, revisar las carátulas de los discos para luego recorrer la calle Valparaíso y comer helado.

Ahora la música se baja o se consume de manera individual con los audífonos y una forma de compartirla en grupo es cantando a viva voz en un karaoke o en el ritual del concierto en vivo, contexto que ha obligado a los artistas a dejar sus mansiones barrocas encargadas con el vecino y retomar la guitarra para cantar en estadios.

Este año fue prodigioso en recitales en Chile y ya hay interesantes conciertos para el 2009. Que cierren las disquerías en Viña, no significa que muera la música o que desaparezcan los discos. Ahora serán material para coleccionistas, así como los cuadros de arte.

La música como fenómeno social no morirá. Es cosa de ver el interés que despierta el show de un salsero en la Quinta Vergara para confirmar que la forma de acceder a ella cambió, pero sigue más vigente que nunca.

A 40 Años del Sgt. Pepper

2007-06-01T00:38:00.000-04:00

A 40 años del disco más innovador y revolucionario de The Beatles

Editado el 1º de junio de 1967, “Sgt. Pepper” fue el primero en traer las letras de las canciones y ofreció una inusual mezcla de géneros musicales

Por Juan Paulo Roldán

“¿Qué diablos es eso?” fue lo primero que exclamó el productor George Martín cuando escuchó el final de “A Day In The Life”, la magistral obra sinfónica que cierra “Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles, cuando se escucha el silbido de un silbato con el propósito de “despertar a tu perro” en palabras de John Lennon.

Lo cierto es que el álbum, que esta semana cumple 40 años, fue un disco revolucionario desde el comienzo, luego de que el cuarteto de Liverpool dejara las giras por el mundo, debido a que ya no escuchaban sus canciones tapadas con los gritos de las fans. Ahora tenían tiempo para grabar un disco a gusto de ellos.

“Desde el comienzo, los Beatles insistían en que Sgt. Pepper tenía que ser diferente”, recuerda Geoff Emerick, ingeniero de sonido de los estudios Abbey Road en Londres. Así que junto a Martín comenzaron a colocar micrófonos en las cuerdas de los violines y empezaron a grabar las voces a través de un parlante Leslie ubicado dentro de un órgano Hammond. Así las canciones se escuchaban con un eco psicodélico, sello característico del álbum.

Por otro lado, este trabajo marcó un precedente al incluir por vez primera las letras de las canciones y los temas se escuchaban uno pegado al otro. En pocas palabras, se transformó en una experiencia sónica, en vez de una suma de “hits”.

“Este álbum no comenzó siendo un trabajo conceptual, pero al poco tiempo desarrolló una vida propia. Lo recuerdo con cariño y fue un tremendo desafío. Para mí fue el más innovador e imaginativo de todos los tiempos”, afirma George Martín en una retrospectiva del disco en los años 80.

Aparte de su complejidad en el estudio, en total se realizaron más de 700 horas de grabaciones y 129 días para su concepción, Sgt. Pepper destacaba por su variedad de estilos comenzando por la sicodelia de “Lucy In The Sky With Diamonds” (que según algunos aludía al LSD por sus iniciales), siguiendo con la belleza orquestal de “She´s Leaving Home”, la influencia hindú de “Within You Without You” para culminar con la opera rock “A Day In The Life”.

“Esta fue la primera canción que grabamos con claras reminiscencias sexuales. Aunque era una frase que estaba en la cultura popular”, rememora Paul McCartney en 1994 respecto a “I´d Love To Turn You On” (Me gustaría encenderte) la última oración con que culmina el disco.

Su portada también marcó un hito al incorporar el rostro de diversas celebridades. La idea era armar un concierto imaginario donde Los Beatles se transformaran en La Banda del Club de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta donde ellos elegían a una audiencia ideal.

Allí estaban el escritor William Burroughs, Bob Dylan, Marilyn Monroe, Albert Einstein, Lewis Carroll, el actor Tyrone Power, Karl Marx, Marlon Brando y Edgar Allan Poe, entre otros.

La idea fue desarrollada por el artista Peter Blake y contó con la asesoría de Robert Fraser, quienes tuvieron la difícil tarea de buscar retratos en bibliotecas y armar un collage de tamaño real. “No recuerdo cuanto costó, pero creo que Robert recibió 1.500 libras y yo recibí cerca de 200. La gente cree que me hice millonario, pero Robert inscribió el derecho de autor. Pero no importa, porque fue una fabulosa experiencia”, agregó Blake en 1987.

El disco fue elegido por la revista Rolling Stone en el 2003 como el mejor álbum de la historia y pese a ser grabado hace más de 40 años, sigue manteniendo su frescura y genialidad. Un verdadero ícono de la cultura del siglo XX.

El regreso del Capitán Fantástico

2006-09-25T22:55:00.000-04:00

Elton John – “The Captain and the Kid” (2006)

El regreso del Capitán Fantástico

En un acertado disco con marcadas influencias del country norteamericano, el artista inglés retoma la tradición de sus mejores trabajos de los años 70

Desde “Songs From The West Coast” (2001) que el pianista Reginald Kenneth Dwight, más conocido mundialmente como Elton John, está tratando de volver a las raíces de sus mejores discos en los inquietos años 70 cuando sus armonías adornaban las historias de Bernie Taupin en temas como “Daniel”, “Goodbye Yellow Brick Road” o “Tiny Dancer”. Esta última canción vivió un verdadero renacimiento luego de aquella memorable escena de “Almost Famous” del director Cameron Crowe cuando sus personajes cantaban en el bus al ritmo del piano del británico.

La continuación de esta seguidilla inspiradora fue el excelente trabajo “Peachtree Road” (2004) tal vez uno de sus mejores en los últimos 15 años, disco que además contó con su producción por vez primera. Alejado de las grandes orquestaciones y de las típicas baladas lacónicas, “The Captain and The Kid” (2006) es otra buena re invención que nuevamente cuenta con la participación de Taupin en las letras y que se plantea como una continuación de uno de sus mejores álbumes “The Captain Fantastic and The Brown Dirt Cowboy”, editado en 1975, donde contaba experiencias de su vida narradas como un cuento y que fue el primer disco en la historia en llegar directamente al primer lugar de los charts norteamericanos.

En esta obra difícil de digerir a la primera escuchada, destaca de buenas a primeras el rock and roll de “Just like Noah's Ark”, donde el piano de Sir Elton vuelve a ocupar un rol primordial en los solos. “Wouldn't have you any other way (NYC)” suena muy al estilo de “Candle in the Wind” con un sutil arreglo de cuerdas y un solo de Mini Moog retoma su tradicional método de composición con intensas armonías y los tradicionales adornos con guitarra acústica.

“The Captain and The Kid” tema country que le da el nombre al disco, es sólo para fanáticos, pues comienza exactamente igual que “The Captain Fantastic” de 1975. Cambia la letra adaptada a la realidad actual, pero el sonido es curiosamente muy parecido al disco de hace 30 años. Un guiño que demuestra la vigencia de un artista que ha vendido más de 250 millones de disco y que continúa entregando buena música sin perder su estilo característico.

Recomendable

“The Captain and the Kid” (2006), Universal Music incluye:

1. Postcards From Richard Nixon

2. Just Like Noah's Ark

3. Wouldn't Have You Any Other Way (NYC)

4. Tinderbox

5. And The House Fell Down

6. Blues Never Fade Away

7. The Bridge

8. I Must Have Lost It On The Wind

9. Old 67

10. The Captain and The Kid

David Gilmour: On An Island (2006)

2006-08-05T15:14:00.000-04:00

David Gilmour – “On An Island” (2006)

Un sonido que no pierde vigencia

Con un disco sobrio, bien elaborado y siguiendo la senda de los mejores álbumes de Pink Floyd, el guitarrista ofrece un excelente trabajo, ideal para escuchar en las frías tardes de invierno.

Si hay algo que caracteriza al trabajo de Pink Floyd en su dilatada trayectoria desde 1968, es la profundidad de su lírica, la limpieza de su sonido, los conceptos que encierra cada disco y los impecables solos de guitarra de David Gilmour (inglés nacido en 1944), que adornaron algunos de sus mejores trabajos como “Dark Side of The Moon”, “Animals”, “The Wall” y “The Final Cut”, sólo para citar algunos.

Entre diversas sesiones y colaboraciones con otros artistas, el guitarrista ha grabado tres discos solistas: “David Gilmour” (1978), “About Face” (1984) y “On An Island” (2006). Este último trabajo editado en marzo, cuenta con la participación de excelentes músicos como Jools Holland (teclados), Leszek Mozdzer (piano) y las segundas voces de Graham Nash y David Crosby. Además, fue grabado en el mítico estudio Abbey Road y con algunas mezclas en la casa del músico.

El disco tiene claras reminiscencias al sonido clásico de Pink Floyd, marcando una especie de continuidad con álbumes como “Wish You Were Here”, “Atom Heart Mother” o “The Division Bell”. En “Castellorizon”, por ejemplo, Gilmour explora temáticas New-Age con sonidos orquestales, loops y el sello inconfundible de su guitarra Fender Stratocaster.

El tema “On An Island”, que le da nombre al disco, en cambio suena bastante más progresivo. Con vocalizaciones que respiran aires sicodélicos, la guitarra de Gilmour suena más vigente que nunca.

Destaca también “Take A Breath”, donde el músico interpreta la guitarra principal y la rítmica. Excelentes y acertadas orquestaciones rodean esta composición que en su lírica nos recuerda la importancia de hacer un alto en la vida para reflexionar.

“Red Sky at Night”, en cambio explora melodías oriundas del jazz. Con una base de teclado antecede al blusero “This Heaven” donde el guitarrista se pasea cómodamente por este género oriundo de la costa este norteamericana, sin olvidar el sonido experimental y “creador de ambientes” de su música.

En general, un disco bien logrado, ideal para escucharlo en una fría tarde, con la voz característica de Gilmour y los colores que emanan de su guitarra. Una pausa necesaria dentro del ajetreo del trabajo y del ruido que se siente en las calles. Aparte de tener excelentes composiciones, acá se escucha el mar de fondo y el cantar de las gaviotas, como si estuviéramos en una isla en medio de la ciudad. De allí tal vez el origen del disco: “On An Island” (En una isla).

“On An Island” (2006) – Sony Music incluye

1. Castellorizon (3:54)
2. On an Island (6:47)
3. The Blue (5:26)
4. Take a Breath (5:45)
5. Red Sky at Night (2:51)
6. This Heaven (4:24)
7. Then I Close My Eyes (5:27)
8. Smile (4:03)
9. A Pocketful of Stones (6:17)
10. Where We Start (6:46)

Natalia Ahumada: cantora popular

2006-08-05T15:07:00.000-04:00

Natalia Ahumada, cantante popular:

“El hip hop de hoy es como el folclore de hace 40 años”

A su corta edad, esta estudiante de música se dedica a mostrar lo mejor de nuestras raíces por una simple moneda en la locomoción colectiva. Asegura que así es como está el arte en Chile, pero no pierde la esperanza algún día de grabar un disco con sus “grandes éxitos sobre las micros”.

Natalia Ahumada impresiona por la hermosa voz que tiene. Al escucharla se notan sus estudios universitarios de música y su extenso dominio de los grandes exponentes del folclore chileno como Víctor Jara o Violeta Parra, a quienes idolatra con una pasión inmaculada. “Lo mío es cantar, no importa si es en una peña o arriba de una micro, la música no conoce límites”, advierte.

Sus inicios en el arte de crear melodías se remontan a su infancia a cuando veía a su padre irse temprano en las mañanas a cantar a las micros. “No me avergüenza para nada mis orígenes, debido a que la buena voluntad de la gente me permitió comer, vestirme y estudiar”, recuerda.

Natalia nació hace 25 años en Santiago pero se declara “hija adoptiva de Valparaíso”. Actualmente estudia música en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, aunque debido a algunos problemas económicos tuvo que suspender sus asignaturas y ahora se dedica exclusivamente a tocar en las micros, además de participar de talleres de guitarra para universitarios e integrar diversos grupos de folclore. Destacada es su participación junto a la folclorista nacional Margot Loyola.

Sus orígenes fueron completamente autodidactas y en sus años de juventud pasó por diversos estilos musicales, desde el punk hasta el rock en español, pero no fue hasta una edad más madura cuando descubrió la magia de la simpleza que existe en el folclore. “Cuando escuché esa música, me sentí completamente identificada, pues aparte de ser canciones que pasan de generación en generación, son temas que reflejan una época de fuerte interés social”.

Fue precisamente en 4º medio cuando un día junto a su padre se aventuró a tocar sobre una micro. “Estaba nerviosa pero de a poquito me fui soltando y ya han pasado siete años de aquel día, pero las ganas y la sensación de tocar frente a la gente no se han ido”, afirma.

Lo que más le molesta es que le digan que anda mendigando, pues según ella su trabajo es ofrecer un espacio de música tradicional chilena entre medio del tráfico de la locomoción y los problemas de la vida cotidiana. “Algunos choferes ya me conocen y saben que mi música es como un libro de historia, que con el paso del tiempo se lee de manera diferente”.

DEL FOLCLORE Y LO DIVINO

Folclore: “Es la sabia de los pueblos. Una música netamente política. No es lo mismo escuchar a Víctor Jara que a Los Quincheros. Se transmite de generación en generación. Tiene un marcado rol social para resumir el descontento popular. Es humano y a la vez divino”.

Los jóvenes: “Pasividad y violencia. Música anglo, reggaeton, canciones de amor FM y para bailar. Costumbres extranjeras. Mucho neo-nazi pero no bailan cueca”.

La micro: “un escenario”.

Los que viajan en micro: “Gente buena onda. A veces choferes con mala cara. Los mayores enganchan más rápido, a veces hasta te aplauden. Reconocen ese vacío en la música”.

La cueca: “Se actualiza con nuevas letras, pero pierde su esencia si se toca con guitarra eléctrica, se populariza como la cantante Soledad”.

Grupo de los años 90: “Mr Bungle” o “Faith No More”

Anhelo: “Grabar un disco con mis mejores éxitos sobre las micros”.

Una cantante nacional de folclore actual: “Elizabeth Morris. Me encanta su voz y su presencia física”.

Canción favorita. “Sacando pecho y brazo” de Víctor Jara.

La música: “un alimento para el alma”.

El tiempo de los supermercados

2006-08-05T14:53:00.000-04:00

El tiempo de los supermercados

Aunque me critiquen de anticuado, prefiero mil veces ir a comprar a la tienda del barrio que al supermercado. No es por un tema de precios. Cualquier ingenuo conocedor de una economía de escala, sabe que cuando un local compra sus productos e insumos por grandes cantidades, sus costos se rebajan y por lo tanto puede ofrecer precios más convenientes. Pero el motivo de esta columna, no es otro que reconocer que el mercado si bien en ocasiones es más eficiente, no siempre es más humano.

Recuerdo como si fuera ayer a la italiana Mina Mascardi. La “señora Mina”, como le decían con cariño, instaló un pequeño negocio en calle Valdés Vergara en Chorrillos y pese a vivir muchos años en Chile nunca perdió su acento característico. Jamás ocupó una calculadora: sólo un lápiz y un papel. Y no se equivocaba.

En el barrio la querían mucho, pues su atención era cálida y amable. No sólo te preguntaba qué ibas a llevar, también se preocupaba de tu familia y en ocasiones entregaba remedios caseros que eran bastante certeros. Aparte de conocer a mi padre cuando joven, ubicaba a mis hermanos y alcanzó a ver a mis sobrinas. Tres generaciones que crecieron comprando golosinas en el almacén de la italiana.

Los “media hora” a peso y las trufas de chocolate eran un festín para cualquier niño de siete años, lo mismo sus volantines que se vendían en septiembre. Las viejas vibraban con sus infaltables recetas para hacer pastas. Todo era parte de una atención amable y que tomaba tiempo. Uno no se demoraba menos de 15 minutos en comprar tres o cuatro cosas. La conversación era un ingrediente más del proceso que se cocinaba a fuego lento.

Hoy los supermercados y las tiendas grandes destacan por su trato despersonalizado. No puedo evitar reírme cada vez que mi viejo le conversa a las cajeras de dichos locales. Sin lugar a dudas que ellas no conocen tú historia, ni tus orígenes, sólo tus gustos y si tienes “tarjeta x”. En ese contexto, como diría Roger Waters, “sólo eres un ladrillo más en el muro”, un número, un cliente más en una enorme fila de rabiosos consumidores.

No estoy en contra del progreso. Nadie niega las ventajas del supermercado, donde hay una mayor variedad de productos, simplificando también la cantidad de compras a realizar. Puedes encontrar un chocolate suizo, aceite argentino, champaña francesa o un whisky inglés. Pero si hay algo que no es posible adquirir a bajo precio es un trato cálido y personalizado como ocurría en la tienda de la señora Mina.

Entrevista a Rocio Infestas

2006-06-20T23:40:00.000-04:00

Rocío Infestas, artista plástica viñamarina radicada en México

“El arte en Chile es demasiado anticuado”

Hace cuatro años que Rocío vive en Chihuahua, capital del estado mexicano que colinda con Estados Unidos, y donde el clima, según indican los informes metereológicos, hoy domingo las temperaturas deben oscilar entre los 22 y 38 grados Celsius y tal vez se aparezcan unas tormentas aisladas. Allí viven más de 700 mil personas y poco se parece a la Viña del Mar natal de Rocío, donde forjó parte de su talante identitario.

“Mi mamá pintaba cuando yo era pequeña y como a los siete años ya pintaba sobre sus cuadros”, nos confiesa esta muchacha de 25 años y agrega que gracias a su madre sólo tuvo una barbie, con la que pudo eludir toda superficialidad. En realidad sus opiniones resultan algo tajantes. Pero parece que su vida se erige como categórica. Su vocación como artista la decide en la adolescencia, al darme cuenta que en el arte se encuentra la manera mas pura de decir las cosas que crees y tienes en tu cabeza”.

Una vez finalizado el colegio, Rocío sintió estudió en la Universidad de Playa Ancha. Más desilusionada de la escena nacional, optó en por radicarse en México. En la capital ingresó a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, “donde los profesores cuestionaban todo lo que hacíamos y aprendimos a ver el arte críticamente”, recuerda.

Posteriormente, en la misma ciudad fundó su propia galería de arte “La Estación de Arte Contemporánea” (LEAC) donde junto a otros artistas proponen una mirada del arte desde “el intelecto y el espíritu”. En estos ocho años ya ha montado varias exposiciones. La prensa mexicana ha destacado “Química del Goteo”, realizada en la Casa de la Cultura de UAEM en Tlálpan y “Experimentación”, montaje efectuado en el Instituto Politécnico Nacional, D.F, México.

En Chile, se ha presentado en tres ocasiones, destacando su última exposición “Traducción Natural”, del 2005 en la Sala Viña del Mar de la Corporación Cultural de la Ciudad Jardín, donde ofreció sus cuadros que mezclan elementos del cómic japonés y el expresionismo.

El arte según Rocio

Desarrollo Artístico: Participé el año pasado en “arte joven” (en escultura) y quedé seleccionada, pero no gané. Al ver las obras que quedaron en el catálogo y las que ganaron, me di cuenta que el arte en Chile no está bien. Los culpables son los que eligen a los ganadores, porque confunden a los artistas. Los jurados tienen como un modelo a seguir y por eso me parece que el arte chileno es bastante anticuado.

Desarrollo artístico foráneo: En México, hay artistas jóvenes creando obras muy buenas, también en Brasil y Cuba son muy originales. En Estados Unidos se hace buen trabajo, pero los gringos por su misma personalidad, de que más es mejor, todo lo hacen a costa del dinero, al igual que los europeos. Lo bonito de México y en general de Latinoamérica es que creamos con las manos, es otro pensamiento, mucho más puro, mucho más real.

Sobre su pintura: es materia viva, es por eso que la chorreo, porque así adquiere un significado más, cada cosa que represento, cada gota habla de un momento en especial que al unirse con muchas gotas conforman un mundo, una cara o lo que sea.

Sobre su escultura: algunas hablan de las mujeres de lo feminista y lo machista, criticando las dos partes, como algo superficial y banal, hablo con humor de esto al representarlo en muñequitas coloridas y pequeñas, también tengo unas bombas atómicas, estas se refieren a la dualidad de las cosas, como una cosa tan destructiva puede llegar a ser tan hermosa, también tengo unas cabezas tamaño real las cuales decoro, todo su rostro está lleno de adornitos, sobre exaltando el hecho de la vanidad y la belleza, otra tiene un diseño de los músculos de la cara en colores azules, hablando de lo que se esconde, o de lo que finalmente somos: carne que se muere.

MEMORIAS

¿Qué recuerdos guardas de Viña del Mar?

Un paisaje precioso, relajante con el ruido del mar, poder salir sin un peso y pasarla bien en un bosque frente del mar, con unos amigos, tomando vino. Inigualable Viña del Mar, la recuerdo y extraño mucho.

¿Qué es lo que más extrañas de Chile?

Lo que mas extraño es el mar, tener tan cerca su sonido, la playa, la ciudad pequeña y bonita. Lo que más echo de menos de Chile es su gente, su acento y lo divertido que somos los chilenos.

La Cicletada Contra El Mal

2006-06-08T00:19:00.000-04:00

Recorriendo las calles de Viña del Mar

Una noche con los Furiosos Ciclistas

Transitar por la Ciudad Jardín en dos ruedas se transforma en una experiencia distinta si se realiza en grupo. Más aún, si se hace en medio de la locomoción colectiva y de los “furiosos automovilistas” que salen del trabajo. “Por una ciudad sin congestión… la bicicleta es la solución”. En terreno pudimos comprobar que la idea no es tan alejada.

Son las 19:30 y de a poco los Furiosos Ciclistas del Gran Valparaíso (FCV) empiezan a llenar la plaza María Luisa Bombal. El pronóstico del tiempo no es muy auspicioso. Mientras algunos regulan los frenos y acomodan la cadena, empiezan a caer las primeras gotas de la noche, pero eso no asusta a los “furiosos” porque los cicleteros son “aperrados”. Vienen preparados para cualquier eventualidad, con parca y gorro. No están ni ahí con la lluvia.

“Lloviendo, nevando, en auto ni cagando”, gritan por el megáfono en pleno centro. La gente circula y se detiene un rato para ver de qué trata la junta. La mayoría de los ciclistas acude disfrazado de diablo, con máscaras y dientes afilados. Ellas, bien maquilladas, con el mejor semblante sacado de una película de terror. La situación es divertida. Esta cicletada no es como la que realizan cada primer martes del mes. Hoy es 6 de junio del 2006, es decir 6 del 6 del 06. Por lo tanto, esta es la “cicletada contra el mal”.

“Hoy espantamos a todos los malos espíritus, los ruidos que contaminan y se esconden en los motores de los autos”, afirma Gabriela Claro, quien es la encargada de comunicaciones. Además de dar las instrucciones por el megáfono, se preocupa de que todos tengan puesto los cachos sobre el casco. Son las 20:15 horas y comienza el trayecto.

Los furiosos ciclistas son sumamente ordenados. En primera fila llevan un lienzo con el símbolo del grupo. Nadie puede pasar ese límite. A los costados van dos ciclistas con señalética fosforescente, quienes durante la cicletada se encargan de que en los cruces peligrosos, se detenga el tránsito para que los miembros del movimiento pedaleen tranquilamente. Al final de la fila, otros dos ciclistas protegen al resto con chalecos reflectantes.

RECORRIDO

A las 20:30 ya estamos en medio de la calle Valparaíso. “Te quedan bien los cachos”, es el comentario más común que recibimos. “Tu también tenís cachos, pero no se te ven”, responde un ciclista, entre medio de las risas y comienzan los gritos: “¿Quiénes son los reyes de la pista?, Movimiento de Furiosos Ciclistas. ¡Alza de la bencina!,,,, jajajajajá.”

Los más amables saludan afectuosamente. Las personas mayores miran con cara de incredulidad, pero en el fondo a muchos les gustaría al menos una vez al mes subirse a la bicicleta y olvidarse de los problemas. La bicicleta es liberadora. Eso nadie lo niega.

“¿Les gustaría pasar una noche en el infierno con estos diablitos?”, le pregunta José Martínez Carvajal a unas transeúntes que se ríen de su llamativa máscara. “Jomarca” como lo conocen al interior del grupo, es el encargado de estrechar lazos interpersonales y a su edad se encuentra en excelente estado físico. En la última corrida familiar desarrollada en la Ciudad Jardín se fotografió junto a Erika Olivera.

A las 20:35 comienza el trayecto hacia calle Libertad y se producen los primeros roces con la locomoción colectiva. Los payasos aprovechan de hacer una rutina como los sapos de las micros. “Vai a dos y a tres de la 124”. Nuevamente las risas, pero el grupo se mantiene ordenado tratando de llegar al mall de 15 Norte. Ya están acostumbrados a los comentarios.

Dos perros se suman a la caravana y por más que tratamos de ahuyentarlos, continúan con nosotros. Sus ladridos contribuyen a crear más ruido y esta vez la gente se detiene en los semáforos a observar a los ciclistas. En 6 Norte un apresurado conductor se ve particularmente enfadado por la congestión que se produce en Libertad. Los “furiosos” ocupan una pista completa y detrás de una micro, aprovecha de desquitarse con la bocina.

“Deja el auto en la casa, gil”, le grita un ciclista. Pero no le responde. A las 20:45 estamos en 15 Norte. Un chofer de micro de la empresa R&R, trata de adelantar a otro que se encuentra al frente del grupo. Al no poder hacerlo por la vía no encuentra nada mejor que subirse a la vereda, en un acto sumamente irresponsable.

“Esto es lo que pasa cuando se saturan las vías. Las personas pierden su centro y tratan por cualquier medio de joderse al resto”, explica Daniel quien ha viajado hasta Olmué en bicicleta. En su casco incluyó un minúsculo espejo retrovisor que utiliza para ver hacia atrás, sobre todo en días con bastante congestión vehicular.

REGRESO

Pasadas las 21:00 llegamos a Von Schroders. En calle Arlegui la congestión es casi tan intensa como la de Libertad o 15 Norte. Nuevamente los chóferes de la locomoción colectiva, hacen encerronas a los ciclistas y algunos les gritan por la ventana. Pero a esta altura del trayecto, ya no importa. La sensación de sentir que una parte de la ciudad es distinta cuando se recorre en bicicleta, pesa más que cualquier epíteto o comentario vulgar.

Una vez en el punto de inicio, los ciclistas van a un local entre Ecuador y Von Schroders a compartir un instante de relajo para así cargar energías. Allí disfrutan de unas ricas chorrillanas y comienzan a planificarse las próximas actividades.

En lo personal, puedo decir que este tipo de actividades es totalmente recomendable, sobre todo después de un largo día de trabajo. La bicicleta no sólo es un sano ejercicio, sino que también favorece la relación entre las personas que habitan en una misma ciudad, pero que la recorren y la viven de manera diferente.

Comentario de Teatro: "Gemelos"

2006-03-18T15:29:00.000-04:00

Comentario de Teatro
“Gemelos: genialidad a toda prueba”

Una propuesta innovadora en todo aspecto, desde la utilización del escenario a la caracterización de sus personajes, esta obra que ha recorrido el mundo con un gran éxito comprobó cuáles son los argumentos para continuar en cartelera: magia, imaginación y mucha originalidad.

La obra “Gemelos” de la compañía Ex Troppa es sin lugar a dudas creativa y novedosa. Sus tres actores: Juan Carlos Zagal, Diego Fontecilla y Laura Pizarro aparte de trabajar en los guiones, la escenografía y la musicalización interpretan a varios personajes: los padres, la abuela, los gemelos, el zapatero, el cartero, la amiga de los niños, el cura del pueblo y la policía.

Todo con una maestría poco antes vista en escenarios locales. La presentación, este viernes 17 de marzo ante un Teatro Municipal de Viña colmado de gente, fue una excelente instancia para disfrutar de la magia del teatro, sobre todo luego de un verano saturado de obras sobre la vida en pareja, los problemas matrimoniales y los típicos monólogos con contenido social.

El gran capital de “Gemelos” es su maravillosa capacidad de generar ambientes, transportando al espectador a un mundo imaginario, en ocasiones onírico, donde con elementos simples se recrean múltiples lugares, creando perspectivas cinematográficas que hacen olvidar que estamos frente a una obra de teatro.

Ganadora de todos los premios Altazor en la categoría Teatro en el 2000, “Gemelos” (estrenada en 1999) se ha presentado con éxito en Argentina, Portugal, Francia, México, España, Italia, Holanda y Bélgica. En cada lugar, el montaje ha sido aclamado por la crítica internacional por su magia y creatividad

La historia se basa en la obra literaria “El Gran Cuaderno” de Agata Kristof y narra los periplos de dos hermanos gemelos que son dejados por su madre en la casa de la abuela para no correr los riesgos de morir durante la Segunda Guerra Mundial. La mujer entrada en años, viuda y sola, odia a sus nietos, tratándolos con una serie de sobrenombres que crean una coraza especial entre los niños y el mundo.

En ese contexto de hambre, humillación y dolor, los pequeños hermanos encontrarán las herramientas para sobrevivir y a medida que pasa el tiempo el lazo entre ellos se hace indestructible.

La puesta en escena sorprende por su originalidad de planos y colores. La música, en cambio, funciona como un catalizador de emociones en un montaje que mezcla la crueldad de la guerra con la necesidad de generar vínculos humanos, esto representado en el nexo entre los gemelos y posteriormente con su arisca abuela.

Un montaje inolvidable.

La Historia del Rock: capítulo 5

2006-03-16T11:52:00.000-04:00

Reciclaje (1977- 1979)

No necesitamos educación

No necesitamos control de pensamiento

Ni oscuro sarcasmo en la sala de clases

Profesor: deja a los chicos tranquilos

Todo es sólo otro ladrillo en la muralla

Tú no eres más que otro ladrillo en la muralla.

(Another Brick In The Wall, Pink Floyd)

A esta etapa se le denomina de reciclaje porque a partir de 1977, se asiste a una reorganización del Rock, donde se vuelve a las raíces del fenómeno, se simplifican las canciones y se regresa a un carácter más contestatario en la lírica de los temas.

Durante la segunda mitad de los setenta, el punk rock de grupos como The Clash o Sex Pistols barrerá con todas las tendencias perfeccionistas del sinfonismo, concretizándolas tanto en la vida real como en el escenario. Su actitud verdaderamente nihilista, expresada por el famoso “No future” (Sin futuro), va mucho más lejos que el inmoralismo de fachada del rock de los cincuenta.

En 1976, la crisis económica, provocada por la subida brutal del precio del petróleo después de la guerra árabe-israelí, representó un fuerte golpe para Occidente. Gran Bretaña que se encontraba en la cúspide de la música rock, ve como se desmorona la industria del automóvil, el sector textil tiene grandes problemas y las industrias ligadas al carbón y a la metalurgia tampoco repuntan. Los precios suben, los sueldos se estancan, el paro se extiende y la vida cotidiana de los británicos ya traumatizada con los atentados del IRA, debe hacer frente a una ola de desesperación colectiva, quedando el fútbol como la única salida.

Como explica Phillipe Paraire, “en otros tiempos estaba el rock para crisitalizar una toma de conciencia, una rebelión, y distraerse un poco. Pero ha muerto. Muerto en todo casi para los jóvenes, que ya no se pueden identificar con millonarios de unos treinta años, que para colmo han fijado su domicilio en el extranjero”. (Paraire, 168)

En las ciudades, en el seno de estos jóvenes sin trabajo y sin la confianza en la educación de antaño, ellos comienzan a utilizar la contestación como una forma de vida. Se ataca con violencia a ese puñado de estrellas que hicieron del rock un fenómeno de élites, impugnando con salvajismo y con textos cargados de contenido social. Así, fue tomando forma al movimiento punk que curiosamente retoma algunos elementos de los orígenes del rock como la chaqueta de cuero, aunque esta vez será mutilada y adaptada a las necesidades de los “punketos”.

El Punk es una vuelta a las raíces del Rock and Roll en lo musical y sus letras vuelven a reflejar la problemática de los adolescentes. El mundo, a los ojos de los punks, es un conjunto de injusticias sociales: hay ricos y pobres, fuertes y débiles, leones y corderos. Nacidos de la crisis, quieren devolver a la sociedad una imagen caricaturesca de lo que produce; cultivarán el look “pobre”, abrigos negros y zapatos de obrero, guitarras baratas, cortes de pelo hechos en casa. Rehusando brutalmente la educación, siempre que puedan criticarán la formación familiar y la enseñanza. El deseo secreto de los punks es hacer pasar vergüenza a la sociedad entera, sirviéndose de su apariencia y comportamiento.

Como agrega Fabio Salas, en su obra “El grito del amor”, “el punk más que un fenómeno musical, es un estado psicosomático nuevo. Es una respuesta límite a un estado limítrofe de la realidad. Al estado de incomunicación, desempleo, incertidumbre, carencia y tedio de mediados de los setenta, el Punk responde con violencia, desafiliación y autodestructividad”. (Salas, 115)

Al respecto, el vocalista de los peores de Chile, Pogo, agrega una mirada localista del fenómeno. “El punkie es básicamente una ironía, una ridiculización al chancho de los valores trascendentales y naturales de la sociedad. Por eso es super punkie agarrar una cueca y tocarla en punk, porque es como coger los valores que ama la gente y destrozárselos”. (Pogo entrevistado por Escárate, 1998, 132)

Los Sex Pistols comienzan la segunda mitad de los 70 con descarnadas letras, “Anarchy in the UK”, “God Save the Queen”, son una muestra más del particular estilo que reflejó el caos de aquellos años, siempre proponiendo el autodominio de la sociedad, como la mejor alternativa para la convivencia, sin medidas de coacción o represión. Ellos plantean una moral rupturista, descomprometida y extrema.

Yo soy un anticristo

Soy un anarquista

No sé lo que quiero

Pero sé como lograrlo

Yo voy a destruir

Porque yo quiero la anarquía[1]

Bob Marley también hace su aparición en esta década. Con un lenguaje simple y directo, defiende los derechos de las grandes mayorías oprimidas y plantea una forma distinta de entender el mundo y la naturaleza. Tomando estos ritmos provenientes de Jamaica, The Police, se fusiona con el rock en un estilo denominado ska.

En 1979, Pink Floyd edita “The Wall”, hito histórico dentro del rock. En aquel disco, que después dio origen a una película de Alan Parker, Roger Waters refleja sus principales temores en un personaje ficticio que vive la pérdida de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la represión escolar, la dominación en el hogar y que al final termina construyendo un muro imaginario para apartarse del resto.

En primera instancia, éste es un alegato en contra de las estructuras que tienden a hacer de nosotros individuos programados, receptivos y sumisos; pero también es una reflexión de cómo el Rock tiende a consolidarse como factor de poder, llegando a algunas manifestaciones de fascismo grupal que terminan por desvirtuar el tradicional significado libertario del Rock.

[1] Letra de “Anarchy in the UK”, editada por los Sex Pistols.

Don´t Believe The Truth (2005) - Oasis

2006-03-05T15:41:00.000-03:00

Comentario de discos
Don´t Believe The Truth (2005) - Oasis

El cuarteto inglés que se presenta el domingo 12 de marzo en el Velódromo del Estado Nacional, viene a promocionar este trabajo que por vez primera se aleja de las típicas armonías “beatles” para respirar aires de los “Stones” y con un abanico musical bastante más amplio.

Según los odiosos hermanos Gallagher este es su mejor disco. Para la prensa británica, “Don´t Believe The Truth” es sin lugar a dudas un renacimiento musical, pues hace 10 años que la banda no se encerraba en un estudio a trabajar con tanta energía, dejando de lado las rencillas entre hermanos, la dependencia de las drogas y las diferencias entre egos, que muchas veces eran más noticiosas que su propia música.

“Don´t Believe The Truth”, es un disco variado con inspiradas melodías y que se mantiene dentro de la senda de los mejores trabajos de Oasis, como “What´s The Story Morning Glory”, “Be Here Now” y “Heathen Chemistry”. La nueva adquisición en batería es Zak Starkey (hijo de Ringo Starr), quien se hizo conocido por reemplazar los redobles del fallecido Keith Moon en The Who y que acá le dio un nuevo aire a las canciones de los Gallagher.

También importante colaboración la del bajista Andy Bell, quien compuso el tema que abre el disco “Turn Up The Sun” y “Keep The Dream Alive”, ambos en el estilo “beatle”, muy en la onda “Abbey Road” que tanto éxito les ha traído. Algunos ya reclaman que los legendarios de Liverpool deberían recibir una compensación económica antes de que Liam y Noel sigan usurpando melodías y sonidos de guitarra de los “Fab Four”.

“Turn Up The Sun” es un tema con claras reminiscencias a otros grupos británicos como Radiohead o Coldplay. Con un marcado riff de guitarra y el nasal registro de Liam, no hay duda de que estamos frente a la fórmula exitosa de Oasis. “Mucky Fingers”, “The Meaning of Soul” y “Lyla”, en cambio suenan mucho más cerca de Jagger y Richards, que de Lennon y McCartney. Acá incorporan un interesante acompañamiento de armónica, en la ruta de los primeros trabajos de los Stones, más cerca del blues que del rock tradicional.

“Love Like a Bomb” y “Guess God Thinks I´m Abel” de Liam aportan con su cuota melancólica, siempre necesaria en un disco más marcado a las guitarras eléctricas y a la potencia que a la reflexión de su lírica.

“The importance of being Idle”, es el mejor aporte de Noel. Con un guiño a la obra de The Kinks y un solo de guitarra ajustado, sin notas extras ni demasiado virtuosismo, esta canción podría perfectamente ser el segundo single a editar.

Sin embargo, lo mejor de este álbum, es “Let There Be Love”, un verdadero himno como a los que nos tienen acostumbrados estos británicos. Cantado a medias por Noel, este tema (con un acertado arreglo de cuerdas) cierra un disco que explora distintas temáticas y que en su sonido está bien elaborado. Un trabajo que suena actual, pero que no deja de lado las raíces de esta banda. Recomendable

“Don´t Believe The Truth” (2005) incluye:

1. Turn Up the Sun
2. Mucky Fingers
3. Lyla
4. Love Like a Bomb
5. The Importance of Being Idle
6. The Meaning of Soul
7. Guess God Thinks I’m Abel
8. Part of the Queue
9. Keep the Dream Alive
10. A Bell Will Ring
11. Let There Be Love

Puedes descargarlo en http://www.mininova.org/tor/37085

Viña 2006: Un festival de la diversidad

2006-02-28T14:00:00.000-03:00

Viña 2006
Un festival de la diversidad

Una vez culminada la XLVII versión del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, nace espontáneamente la siguiente inquietud, ¿qué le va a quedando de festival? Porque si bien este evento nació hace 47 años como una competencia de canciones, poco o nada va quedando de eso.

Como ejemplo, tenemos la voz de alerta que dio la representante chilena del folclore que ganó con “Canción de Agua y Viento”, Elizabeth Morris, quien en plena conferencia de prensa, gaviota en mano, llamó la atención de los periodistas al no dar mayor importancia a las canciones.

Lo mismo ocurre con la competencia internacional, que este año tuvo un nivel mediocre, con canciones dignas de competencia de colegio y hasta con una intérprete que se dio el gusto (mal gusto, mejor dicho) de tirar los zapatos al público y golpear las congas con unas cucharas. El jurado, más encima, le dio el premio de mejor intérprete. Como para no creerlo.

El tema ganador, “Dilo de una vez” (Costa Rica) interpretado por Humberto Vargas, no era el favorito del público y pese a tener calidad en la composición, estaba lejos de “Hoy” (Chile) de Álvaro Véliz, canción que poseía una cadencia más festivalera y destacaba por la agudeza de su arreglo.

A modo de balance, lo que fue y lo que pudo ser Viña 2006, a continuación una breve reseña de lo destacable y lo desechable que dejó el evento.

LO MEJOR

Lo más destacado, la variedad de grupos. Es prácticamente impensado en otro festival, en cualquier país del mundo, contar con Franz Ferdinand y Los Tigres del Norte o con la Sonora Palacios y A-ha. Pero se cumple la expectativa de llegar a distintos públicos y nadie puede decir que este año al festival le fue mal: algunas entradas se agotaron semanas antes de empezar.

Sergio Lagos, le dio nuevos bríos al certamen, aunque por momentos pecó de exceso de naturalidad. Para el bronce quedó su frase cuando despidió a Feliciano, “un artista que lo vio todo y lo sintió todo” y cuando dijo que Ruperto era el artista “más revolucionario del último tiempo”. Demasiado, ¿no?

FRANZ FERDINAND: La banda oriunda de Glasgow, fue un número de primer nivel. Como hacía tiempo no se escuchaba, las guitarras sincronizadas al más puro estilo británico, hicieron vibrar al público joven que inundó la Quinta. Una puesta en escena sólida, un rock bailable con elementos del punk y con algunas cadencias de los años 60, la banda supo manejar los tiempos con maestría y con canciones que pintan para clásicos como “Take Me Out”, “Do You Want To” o “Jacqueline”, demostraron que son una de las bandas de rock más importantes del momento. Lo mejor del Festival.

A-HA: Aunque su vocalista y líder, Morten Harket, ha perdido algo la voz, la presentación de A-ha estuvo notable. Nuevas versiones de clásicos como “Take On Me”, “Crying In The Rain” y “The Sun Always Shine On TV”, fueron una prueba más de la vigencia de esta banda emblemática del pop new-wave de los 80. Arreglos elegantes, simples y bien secuenciados. Una clase musical.

JOSE FELICIANO: Precedido por una conferencia de prensa para el olvido, su actuación fue memorable. Dueño de una técnica impecable en la guitarra, Feliciano demostró en vivo porque su música se mantiene vigente. Una ensalada de estilos, desde el bolero, la bosanova, el blues, el soul y el flamenco, todos interpretados magistralmente. Bailó “reggaeton” y cantó a dúo con Myriam Hernández. Se despidió con una ovación. Impecable.

KANSAS: Una sorpresa fue la llegada imprevista de Kansas, luego que el grupo Journey suspendiera su presentación por la enfermedad de su vocalista. Si bien “Dust in the Wind”, era tal vez la única canción conocida por el público, los asistentes escucharon con respeto a los norteamericanos que se dieron el lujo de ofrecer una hora de rock progresivo de calidad. Destacó el virtuosismo del violinista en “Point of Know Return” y “Carry on Wayeard Son”. Superaron las expectativas.

COCO LEGRAND: Con una rutina que apeló a la realidad del siglo XXI, el humorista realizó una charla sobre la sociedad actual, las brechas generacionales, los medicamentos y las diferencias entre el hombre y la mujer. Con una mirada inteligente desarrolló cada tema y el monstruo domado, escuchaba en silencio como en un café concert. Se llevó dos antorchas y una gaviota.

JUAN LUIS GUERRA: Con una banda excelente, el autor de “Bachata Rosa” se paseó por sus mejores temas. El sonido contagioso del merengue, hizo bailar hasta a los camarógrafos, sin dejar de lado el contenido de sus letras que tratan el costo de la vida o los valores humanos. En palabras del artista, “un merengue para los pies y para la cabeza”.

SIN BANDERA: Poseedores de un éxito arrollador en las radios FM, este grupo ofreció lo mejor de su repertorio con temas como “Que lloro”, “ABC” y “Kilómetros”. Buenas voces y un gran feeling entre sus integrantes son los principales capitales de este dúo, aunque su actuación por momentos se mostró algo plana.

LO PEOR

Las dos grandes bajas de este festival: el sonido y las oberturas. En la transmisión televisiva casi era inaudible la voz de Juan Luis Guerra, en la Quinta se escuchó perfecto. El grupo Illapu, tuvo serios problemas para conectar sus instrumentos y tuvieron que utilizar su talento para salir del impasse. La guitarra eléctrica de Feliciano, casi no se escuchaba.

Las oberturas: a años luz de las presentaciones de Hugo Urrutia, quien integraba a toda la Quinta Vergara, acá se apeló únicamente a la transmisión televisiva, con coreografías sacadas de “El Planeta de los Simios” y con bailarines que parecían invitados de una academia de novatos. Bajo el nivel. Ni los fuegos artificiales, ni los papeles picados, salvaron las presentaciones.

JULIO SABALA: Una rutina añeja y lánguida con artistas como Julio Iglesias y el Puma Rodríguez. Lento en el cambio de vestuario, no le salvaron las bailarinas, y menos el “salvavidas de plomo” de los animadores, que se vieron débiles en el arte de rellenar. Su imitación de Bob Marley y Juan Gabriel, provocaron la sonrisa, pero no sacaron carcajadas. Se fue sin pena ni gloria.

LOS TIGRES DEL NORTE: Más de 33 años de carrera fueron olvidados por el monstruo que entre pifias impidió que la banda mexicana desarrollara su show basado en las rancheras. Una actuación chata, sin quiebres y con algunas desafinaciones considerables, la música tradicional mexicana quedó como “fuera de onda” después de la presentación de A-ha y a la espera de Chancho en Piedra. Mala programación.

NI FRIO NI CALOR

D´HOLMIKERS Y MARTYN CHABRY: Continua la mala costumbre de poner números de “variedades” en el Festival como si fuera Martes 13. Interesante la puesta en escena de los suizos de D´Holmikers, teatrales y acróbatas, pero no para la Quinta. Ambos se fueron sin mucha atención.

JAVIER ESTRADA: El rostro de Canal 13 cantó un par de temas, pero no logró cautivar a la galería. Estuvo a punto de sufrir las pifias después de la actuación de A-ha, pero la estación católica prefirió guardarlo y poner a los Tigres del Norte que sufrieron las consecuencias. Se salvó de una grande.

Franz Ferdinand: "Queremos provocar un cambio en la música"

2006-02-27T21:02:00.000-03:00

Franz Ferdinand:
“Queremos provocar un cambio en la música”

Los escoceses, que telonearon a U2 en Santiago y que vienen a promocionar su último trabajo “You Could Have It So Much Better”, están realizando un documental con sus presentaciones en Latinoamérica y tienen pensado volver a nuestro país a fines de año.

Franz Ferdinand es sin lugar a dudas la mejor sorpresa que guardaba Canal 13, luego que no pudieran completar la parrilla de música anglo que tenían planificada. Se habló de “Simply Red”, de “Jamiroquai”, pero ninguna de estas agrupaciones goza del nivel de popularidad de estos escoceses, estudiantes de arte, que se reunieron de manera fortuita para “pasarlo bien y hacer música que las mujeres bailen”.

Con dos discos a su haber, “Franz Ferdinand” (2004) y “You Could Have It So Much Better” (2005), la banda ha ganado varios premios, entre los que destacan el de “Mejor Banda Revelación” en los MTV Video Music Awards y el “Mercury Prize”, por mejor grabación de un grupo solista británico.

Su video “Take Me Out”, también ha recibido muchos elogios de la crítica, debido a la utilización de diversos filtros en la imagen y a la perfecta sincronía que existe entre la música y los personajes, que son una mezcla entre máquina y humanos.

Con Alex Kapranos en la voz, Nick Mc Carthy en la guitarra, Robert Hardy en el bajo y Paul Thomson en la batería, el cuarteto comenzó sus primeras actuaciones en el 2001. Posteriormente, le pusieron el nombre “Franz Ferdinand” en honor al archiduque austrohúngaro, cuyo asesinato desencadenó la Primera Guerra Mundial”.

“Cuando partimos tocando no teníamos nombre. Luego antes de una actuación, empezamos a hacer un juego inventando un nombre para un póster con la imagen de nosotros. Y vimos una carrera de caballos, donde había un caballo que se llamaba “archiduque” y de ahí sacamos el nombre de Franz Ferdinand que es el archiduque que comenzó la Primera Guerra Mundial. Su muerte cambió el rumbo del siglo XX y nosotros como banda queremos provocar un cambio en la música”, explica Kapranos.

¿Cómo se han sentido de paso por nuestro país?

Alex: “La experiencia ha sido increíble. Encontramos muy rica la comida, sobre todo el congrio. Su gente es muy acogedora. Estamos filmando nuestro paso por Chile, creo que pronto podrán ver eso”.

¿Sienten que el éxito les ha llegado muy rápido?

Alex: “No creo. Nosotros comenzamos nuestra carrera hace cuatro años. Nos ha ido bien, pero todo se centra en hacer buena música, escribir canciones que disfrute el público. Sabíamos que acá en Chile existían muchos fanáticos de nuestra música y estamos felices de estar acá por vez primera en Sudamérica. Esperamos volver a fin de año y hacer un concierto solos”.

¿Sabían algo del Festival de Viña y del monstruo?

Paul: “Hemos escuchado del monstruo y de la gaviota. Vimos el festival anoche por la TV. Pero no sabíamos nada antes. Nos damos cuenta que es bastante distinto a los festivales que hay en Inglaterra. Nosotros no tenemos monstruos, pero creemos que este es un tremendo festival. Se siente el entusiasmo de la gente. Es muy especial.

¿Cómo podría clasificarse la música que ustedes elaboran?

Nick: “Es difícil para nosotros clasificarnos. Esa tarea le corresponde a ustedes, los periodistas”.

Pero, ¿cuáles son sus influencias musicales?

Alex: “Escuchamos a James Brown. Nos gustan los Rolling Stones, también encontramos buenos a Los Bunkers”.

Paul: “El otro día escuchamos a Agua Turbia, son muy buenos”.

Nick: “Como la mayoría de la gente, adoramos a los Beatles. Cuando estaba aprendiendo guitarra, sacaba sus canciones. Nos gustan los discos Revolver, Rubber Soul y Abbey Road”.

¿Qué opinan de los otros grupos escoceses?

Alex: “Cada banda escocesa tiene un sonido distinto. Somos muy diferentes, pero nos llevamos muy bien. Bell and Sebastián nos llevó una vez de gira en un tour. Si no fuera por ellos, tal vez no estaríamos acá”.

¿Qué pueden adelantar sobre su próximo trabajo?

Alex: “El nuevo disco, tendrá muchos estilos diferentes. Lo realizamos en Brasil e incluimos vientos y cuerdas. Es un progreso musical que no nos hace perder la identidad. Mientras estamos en gira, no dejamos de escribir canciones y nos gusta trabajar rápido, aunque no damos plazos. Así que no sabría decirte cuando estará terminado”.

Corporación Doctor Feliz

2006-02-25T16:48:00.000-03:00

Corporación Doctor Feliz
La risa: un remedio infalible

Entre medio de las cámaras y la farándula festivalera, un pequeño grupo de jóvenes trata de llevar la alegría a los enfermos y de humanizar este evento.

Lo que más le llamó la atención al vocalista de A-ha en la conferencia de prensa dada en el hotel O´ Higgins, fue el llamativo sombrero del doctor “Héctor Nudo”. Ni las insulsas preguntas de los periodistas, ni los desesperados gritos de los fotógrafos captaron la atención de los noruegos, tanto como el colorido look del doctor Nudo cuyo nombre verdadero es Alejandro Sáez y está a cargo de la Corporación Doctor Feliz, Dr. Patch Adams.

El objetivo de esta loable institución es alegrar la vida a los pacientes que sufren de enfermedades de difícil cura y que se encuentran hospitalizados. “Practicamos la risoterapia siguiendo los preceptos de Patch Adams, llevando la fantasía de este espectáculo a los hospitales, a los quemados, a los que sufren de síndrome de Down a los que padecen cáncer”, agrega Nipci Orellana, monitora de la Corporación.

La institución que funciona de manera voluntaria y sin fines de lucro, recorrerá los hospitales de Viña. Durante la última versión del festival, Sáez ha tratado de conseguir el apoyo de los artistas, labor que se ve bastante difícil considerando la apretada agenda de los músicos que vienen y se van.

“Pero lo más complicado para nosotros es conseguir auspicios para comprar globos y sorpresas que llevamos a los hospitales, pero la sonrisa de los niños es el mejor pago que tenemos”, explica el doctor que fundó esta corporación hace nueve años y junto a su esposa Alejandra diseña los vestuarios que se asimilan a los de clowns profesionales.

Durante el último Festival de la Canción de Viña, los “doctores-payasos”, han realizado notas periodísticas que después ofrecerán en los hospitales donde se presentarán. “La corporación necesita ayuda para seguir existiendo, porque es totalmente autofinanciada. Ojala que apoyen esta iniciativa que no sólo llega a los enfermos, sino a todos los que necesitan cariño, porque estar contentos y sentirse queridos ayuda a sanar”, agrega Sáez.

Quienes quieran conocer la valiosa labor de esta corporación y deseen ayudar con alguna cooperación voluntaria, pueden enviar un correo electrónico a doctorfeliz@entelchile.net y al fono (2)5561981.

Grupo A-ha: "En los 80 escuchábamos mejor"

2006-02-24T14:36:00.000-03:00

Grupo A-ha
“En los años 80 escuchábamos mejor”

La banda noruega que saltó a la fama internacional por el video de “Take On Me”, ironizó sobre las diferencias que existen entre la música actual y la de hace dos décadas.

A-ha es sin lugar a dudas uno de los números fuertes de la última edición del Festival de Viña del Mar. Entre tanto cantante romántico, se agradece el pop new wave de este grupo noruego que nació de las cenizas de “Bridge”, formado por Morten Harket (voz principal), Pal Waaktaar (guitarra y coros) y Magne Furuholmen (teclados y coros). Fue precisamente este último quien acuñó el nombre de la banda, pues era una exclamación común, fácil de memorizar y conocida en distintos idiomas.

“Esta es nuestra segunda visita a Chile. Estuvimos en Santiago hace unos años y queríamos volver. Espero que en Viña tengan aire más limpio, porque eso se refleja en un público más sano. Me acuerdo que ese día que tocamos, hasta los colegios estaban cerrados”, recuerda Harket que visitó nuestro país en 1991.

Sobre las diferencias que existe entre la música actual y la de hace dos décadas, Furuholmen se toma el asunto con humor. “No hay grandes diferencias entre la música de hoy y la de los 80, pero en los 80 escuchábamos mejor”, explica el músico que durante los siete años que la banda estuvo en receso, retomó sus facetas de pintor.

“Estamos relacionados con Coldplay”, agrega Harket que estuvo con la banda de Martin en los últimos Brit Awards, donde los ingleses recibieron el premio a mejor canción y álbum del año por “X&Y”.

A-ha ha seguido haciendo buena música y con exitosas giras por Europa se han mantenido completamente vigentes. Prueba de ello es su último disco “Analogue” (2005), trabajo que presentaron en Oslo, Nueva York, Alemania, Grecia, Austria, Bélgica, Suiza, Holanda y Reino Unido.

“Hemos tenido la suerte de vender muchos discos y hemos recibido buenas críticas por nuestro trabajo. En lo musical estamos muy conectados y a medida que vamos recorriendo distintos países, mezclamos nuestras experiencias con la música que elaboramos”, explica Harket.

Entrevista a Jose Feliciano

2006-02-22T19:56:00.000-03:00

Entrevista a José Feliciano
“Mi música no pierde vigencia”

El artista, que recibió el acoso de la prensa en su llegada a Viña del Mar, aclaró que está siempre componiendo y con una vitalidad que le permite actualizar su música hacia nuevos estilos.

José Feliciano es uno de los artistas más talentosos que existen en la actualidad. Aclamado por la crítica especializada como uno de los mejores guitarristas del mundo, en efecto, la revista “Guitar Player”, lo premió como el “Mejor Guitarrista Pop”, incluyéndolo en su galería “Gallery Of The Greats”.

También ha sido nominado como uno de los mejores guitarristas de jazz y cuenta con más 45 discos de oro y platino, 16 nominaciones al premio Grammy, recorre el mundo desde México a Marruecos y de Melbourne a Brasil. Antes de aterrizar en Viña, Feliciano tenía una intensa agenda de presentaciones en Las Vegas, las que postergó para estar en el Festival. “Es que le tengo mucho cariño al pueblo chileno”, agrega.

El asedio de la prensa de nuestro país incomodó al artista, quién se defendió de las críticas sobre su poca presencia en las emisoras nacionales y su nula participación en los ramkings. “No estoy pasado de moda. Si mi música ya no se escuchara, no me habrían invitado a este evento. Mi música no pierde vigencia”.

Una vez más el periodismo de espectáculos, mostró su completa desinformación y cayó en el bajo recurso de la recriminación, como si las radios fueran el único parámetro para catalogar el éxito de un artista.

Con su trabajo “Señor Bolero”, José Feliciano obtuvo doble platino en Estados Unidos, Puerto Rico y Venezuela, logrando un disco de oro en México, Costa Rica y Argentina. En el 2004, editó su disco de rancheras “A México… con Amor”, donde el guitarrista realizó una recopilación de las mejores canciones tradicionales del país del norte.

“No me siento parte del recuerdo. El público me saluda muy afectuosamente y conocen mis canciones”, explica el músico que nació ciego en el pueblo de Lares, en Puerto Rico. A los cinco años, su familia emigró a Nueva York, donde vivió en el Harlem latino. A los nueve, tuvo su primera actuación en público en el teatro Puerto Rico del Bronx.

Sobre la posibilidad de colgar la guitarra y retirarse de los escenarios, el artista es claro y directo. “Siempre estoy componiendo. No vengo a despedirme acá. Siempre tengo algo nuevo que presentar”.

Feliciano, quien ha interpretado boleros, bosanova, jazz, rock, rancheras, también ha incursionado por el reggaeton, trabajo con el que espera cautivar a un público más juvenil. “Uno se reinventa constantemente. Yo me siento bien chévere, me siento joven y lleno de energía. ¿Por qué no salgo tanto en los medios?, porque no soy un artista escandaloso. No he matado a nadie y no le he faltado el respeto a nadie”.

El mundo entero ha disfrutado de muchas de sus canciones, entre las que destacan “Rain”, “Chico and the Man”, “Destiny”, “Affirmation”, “Ay Cariño”, “Ponte a Cantar”, “Porque te tengo que olvidar” y “Cuando el Amor se Acaba”.

Entrevista a Sin Bandera

2006-02-22T19:08:00.000-03:00

Grupo Sin Bandera
“No existen fórmulas para el éxito”

El dúo de pop romántico, que se presenta en el Festival de Viña, se dio el tiempo para hablar sobre sus influencias musicales y los proyectos que barajan a futuro entre los que está grabar un disco de duetos.

“Sin Bandera” es sin lugar a dudas uno de los grupos que más rápido ha logrado el éxito. Hace cinco años partieron tocando en pequeños locales y como teloneros, “en escenarios donde apenas había un cable para el micrófono”, como explican ellos, ahora se presentan ante miles de personas y lideran todos los rankings de música latinoamericanos.

El dúo está formado por el mexicano Leonel García (guitarra y voz) y el argentino Noel Schajris (piano y voz). Ambos son músicos, compositores y cantantes. El nombre del grupo nació de una declaración de principios que ellos mismos realizaron: “ni la música, ni el amor, ni las cosas más importantes en la vida tienen bandera”.

De su disco debut y homónimo, vendieron más de un millón de copias en todo el mundo, con éxitos como “Entra en mi vida”, “Kilómetros” y “Sirena” entre otros. Entre los máximos premios que han obtenido, está el Grammy Latino como mejor álbum por dúo o grupo vocal por “Sin Bandera”.

Ahora se encuentran de gira y aprovechan la oportunidad de proyectarse internacionalmente en el Festival de Viña. Su disco “De Viaje”, editado en el 2003, ha vendido miles de copias y suena de manera constante en las emisoras nacionales con canciones como “Que Lloro”, “Bien”, “Magia” y “Puede Ser” a dúo con Presuntos Implicados.

¿Qué sienten ahora que pisan el escenario de la Quinta Vergara?, ¿lo toman como un lugar importante para proyectarse en el extranjero?

N: Es una señal para proyectar nuestra carrera, una oportunidad para mostrar lo que estamos haciendo y esperamos que la gente se divierta. Aún recuerdo cuando comenzamos hace algunos años en lugares pequeños, con un micrófono y un teclado, ahora nos presentamos ante mucha gente, pero la esencia es la misma.

L: Es un verdadero honor estar acá en Chile, en el Festival.

¿Tienen pensado incorporar otros estilos en su música?

L: La gente siempre nos asocia con las baladas, pero nosotros también hacemos temas rítmicos y bailables. Pero la balada tiene en sí un mensaje muy fuerte pues está dirigida a la persona que amas. A futuro queremos hacer un disco de duetos, como se hace en Estados Unidos. También queremos grabar un rap con Jovanotti.

N: Lo importante es mantener la honestidad en nuestra música. Desde el primer disco (Sin Bandera, 2003) que nos lanzamos con la idea de hacer buena música, sin encapsularse y siendo coherentes con el mensaje porque en la vida no hay fórmulas para la felicidad, como tampoco hay fórmulas para el éxito.

¿Han escuchado hablar algo del monstruo?

N: No pensamos en el monstruo. Nosotros actuamos para seres humanos, no para extraterrestres.

L: A través de nuestras giras hemos conocido gente de todas partes de Latinoamérica. Ahí nos hemos dado cuenta que tenemos los mismos miedos, los mismos temores. Es increíble ver lo que uno puede lograr con una canción. La música es como un ritual que te transporta, te hace olvidar tus problemas. Y sabemos que en Latinoamérica es difícil olvidarse de esos problemas.

N: No hay muchos momentos de catarsis, de liberarse. La música es un factor de unión, de comunión.

¿Han pensado cantar en inglés para llegar al mercado norteamericano?

N: El español está tomando mucha fuerza en Estados Unidos. Ahora es menor la presión que existe para cantar en inglés. Cuando yo tenía 13 años y escuchaba a los Beatles, me preguntaba: ¿qué dice esta canción? Después me pasó lo mismo con Pink Floyd. Uno tenía que aprender inglés para entender que decían sus canciones. Esperamos que los niños norteamericanos tengan que aprender español para que sepan que estamos cantando.

¿Qué piensan de los músicos chilenos?, ¿les gustaría grabar algún dueto con ellos?

L: Hicimos un dueto con Andrés de León. Pero no conocemos muchos artistas pop chilenos. En México se habla de Los Tres y de La Ley, pero no ubicamos al resto.

N: Nos encantaría grabar con Joe Vasconcellos. Es muy bueno.

¿Qué piensan de aquellos que ocupan la música para causas benéficas, como lo que realiza Bono de U2 que está buscando terminar con la pobreza en África?

N: Bono sabe ocupar la fama. La utiliza para objetivos loables. Para mejorar el mundo en que vivimos. Nosotros no tenemos la masividad de U2. Ojala algún lleguemos a tener ese grado de popularidad.

L: Yo creo que los cambios no tienen que ser sólo a través de la política o la economía. Los cambios tienen que ser de índole espiritual. Al descubrir tu conexión en el universo, se pueden hacer leyes más sanas y más igualitarias.

Chaos and Creation in the Backyard (2005) - Paul McCartney

2006-02-18T23:24:00.000-03:00

Comentario de música
“Chaos and creation in the backyard” (2005) – Paul McCartney

Siempre es posible reinventarse. Y en ocasiones para bien. Al menos así lo demuestra este notable disco que viene a coronar la trayectoria de uno de los artistas más influyentes de los últimos 40 años.

Si bien McCartney como solista desde 1970, no ha logrado el nivel de claridad conceptual e interpretativo que tenía cuando hacía de las suyas junto a Lennon, “Chaos and creation in The Backyard” puede ser considerado un verdadero clásico. De hecho la prensa británica, ha calificado a este álbum como su mejor trabajo en 30 años, detrás de “Band On The Run” (1973).

Nominado a los Grammys como mejor disco del año, su elaboración no estuvo exenta de polémicas, pues el productor Nigel Godrich (el mismo de “OK Computer” de Radiohead) a la semana de trabajo despidió a la banda de McCartney y obligó al músico de 63 años a interpretar todos los instrumentos.

Sin dudas esa tensión, que a algunos les puede recordar la competitiva relación que tenía Paul en The Beatles, fue dando frutos con el paso de los días y se logró una interesante mezcla entre el sello anticuado de McCartney y la búsqueda de un sonido más actual por parte de Godrich.

Acá no hay baterías programadas como en el anterior trabajo en estudio “Driving Rain” (2001), ni tampoco sintetizadores como en el comercial “Press To Play” (1986). Sólo guitarras acústicas, algunas guitarras eléctricas y muchos temas con piano, lo que por momentos nos recuerda la simpleza y la enorme belleza de las melodías del bajista de los “Fab Four”.

Entre lo más destacado, destaca “Fine Line” con un marcado riff ejecutado en el piano, muy al estilo de “Hey Bulldog” o “Lady Madonna”, canción que se queda en la memoria debido a lo sencillo (y efectivo) de su estructura. Interesante la letra que trata sobre las pequeñas diferencias de la vida.

“Jenny Wren” es, en palabras de McCartney, lo más cerca que ha estado de “Blackbird” de 1968. Una canción estilo folk ejecutada con guitarra acústica, muy al estilo de las canciones de protesta de mediados de los 60. Esta vez, la música acompaña las vivencias de Jenny Wren, una chica que espera algo mejor del mundo, luego de sufrir la injusticia en carne propia.

“English Tea”, en cambio es lo totalmente opuesto. Un retrato del ocio en un paisaje de campo inglés, lleno de verdes pastos, tomando el té, mientras unos snobs juegan cricket una mañana de domingo. Todo adornado con un octeto de cuerdas y el piano de fondo, muy al estilo de “For No One” y "Eleanor Rigby" del clásico Revolver de 1966.

En “Friends To Go”, una clara alusión a la partida de su amigo y compañero de banda George Harrison: “He estado esperando en el otro lado/por mis amigos para partir/no tengo la necesidad de ocultarme/no tienes necesidad de preocuparte/estaré bien solo/he estado esperando a que el dolor pase”.

En suma, un disco variado que explora distintos estilos musicales, pasando por la balada (“This Never Happened Before”), la bossanova (“A Certain Softness”), el rock and roll (“Fine Line”) y la música folk (“Jenny Wren”), todo con la madurez y el talento de un músico de excepción, que interpreta todos los instrumentos. Totalmente recomendable.

Chaos and Creation In The Backyard – Paul McCartney (2005)
Sello: Emi Music
Incluye

Fine Line
How Kind Of You
Jenny Wren
At The Mercy
Friends To Go
English Tea
Too Much Rain
A Certain Softness
Riding To Vanity Fair
Follow Me
Promise To Your Girl
This Never Happened Before
Anyway

Puedes descargarlo en: http://www.mininova.org/tor/105125

La Historia del Rock: (capítulo 4)

2006-02-16T17:23:00.000-03:00

Reflujo y Sinfonismo (1971-1976)

Y cuando bajemos por el camino
Nuestras sombras serán mayores que el alma
Ahí camina una dama que todos conocemos
Que brilla con luz blanca y desea mostrar
Como todo se vuelve oro
Y si te escuchas bien
El tono llegará a ti al final
Cuando todos sean uno y uno sea todos
Para ser piedra y no rodar
Ella está comprando una escalera al cielo

(Stairway To Heaven, Led Zeppelin)

En los setenta, el mundo se ve invadido por el estilo progresivo de grupos como King Crimson, Led Zeppelin y Deep Purple, quienes toman elementos del blues americano para crear lo que algunos críticos de rock denominan hard rock, que es rock interpretado con mayor velocidad y con mayor estridencia.

Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin es el primero en incluir el arco de un violín para tocar la guitarra eléctrica. Antes Jimi Hendrix, había experimentado con drogas como el LSD y la heroína produciendo interminables solos de cinco ó diez minutos.

En Chile, en palabras de Lito Escárate, presenciamos el paulatino advenimiento al poder de sectores sociales permanentemente desplazados, que se encuentran interpretados por el gobierno que constituye la coalición de partidos de la Unidad Popular. Junto a este hecho, se ha producido una continua valoración de la cultura latinoamericana, a la que muchos accederán refrendados por una perspectiva anti-imperialista y militante. Es esta la que explica, en parte los procesos de chilenización y posterior nacionalización del cobre, así como la incipiente solidaridad con Vietnam y Cuba, que representaban una bandera de libertad para los pueblos del Tercer Mundo. Flota en el ambiente la necesidad de rescatar la expresión folclórica y autóctona, la que tendrá su correlato más directo en la obra de la Nueva Canción.

“Muchos de los conjuntos que participan de esta tendencia distintiva provenían de agrupaciones formadas a partir de la segunda mitad de los 60. Casos como Los Jaivas y Congreso son un ejemplo (...) En su primer elepé, asoman tímidamente elementos latinoamericanos, aún poco definidos, pero ya interesantes, sobre todo en la intención y búsqueda de un sonido. En líneas generales, tienen los elementos propios de la creación Beat Psicodélica (es decir, pulso constante; guitarras procesadas por fuzz en primer plano: y un bajo sencillo y poderoso que acompaña atmósferas blueseras”. (Escárate, 1995, 30)

Desde Viña del Mar vienen Los Jaivas, cuyos integrantes conformaban a los “High-Bass”, nombre producido de una deformación fonética que se fue transformando en el ya conocido “Jaivas”. En los setenta, no hubo grandes cambios en su formación, pero sí una evolución musical que lentamente los fue alejando del repertorio que cultivaban en un comienzo, conformado especialmente de valses peruanos, cumbias y boleros, pues en los 70 desarrollaron una manera sui generis de ver la música. Buscaban de forma radical, una conexión con la raíz ancestral y la cultura del continente, en donde la improvisación constituía uno de los ejes creativos fundamentales.

Con el surgimiento del rock latino el individualismo libertario del rock se torna planetario y se institucionalizan sus posturas ideológicas y artísticas. En Argentina, la “Marcha de la Bronca” de Pedro y Pablo es un canto al estado general de Latinoamérica, reflejando los problemas regionales de nuestro continente.

Por su parte, luego de la separación de los Beatles, John Lennon compone “Imagine”, desligándose de la religión, de las fronteras y de los autoritarismos, proponiendo un mundo natural, primigenio y libre. “Queda en evidencia la impermeabilidad del sistema a las corrientes transformadoras. A pesar de que el rock y el arte en general no pueden cambiar las estructuras sociales, sí pueden influir en las ideologías que generan estas estructuras”. (Díaz Fuentes, 30)

Durante la primera mitad de los 70, la música rock abandona su postura de celebración exaltada y deriva en un período más existencialista, más intelectual y más escéptico. “De aquí en adelante el rock se disocia de su conexión coyuntural, para crear un espacio ideológico cercano a la leyenda, la magia, la conjunción alucinada de un pasado milenario, de un futuro tecnologizado y glacial”. (Díaz Fuentes, 31)

En Latinoamérica una serie de golpes de estado interrumpen el proceso democrático, creciendo el descontento y la incertidumbre. América Latina se transforma en el patio trasero de la Guerra Fría representando los dos modelos imperantes, por un lado el sistema capitalista neo-liberal y por otro el socialismo de influencia soviética. En Chile se habla de una “revolución con empanadas y vino tinto”, pues este es el primer país donde el socialismo es votado en las urnas y no por las armas.

En lo musical, el rock alcanza un gran nivel con el denominado “rock progresivo”. Grupos como “Yes”, “Génesis” (con Peter Gabriel a la cabeza y posteriormente Phil Collins), Jethro Tull, Queen y Deep Purple.

Es la etapa dorada del “duque blanco”, David Bowie, quien inaugura el denominado “glam rock” o “rock glamoroso”, con una interesante propuesta escénica, llena de teatralismo, que responde a una serie de condiciones sociales, siendo la más notoria su decadencia.

En 1975, Queen presenta su disco más reconocido por la crítica, “A Night At The Opera”, en donde la banda se pasea por el rock más duro con “Sweet Lady”, como también por la música de salón con “Seaside Rendevouz”. Pero el tema más trascendental de dicho álbum es sin duda, “Bohemian Rhapsody”, que en sus seis minutos de duración expone el calvario de un hombre que comete un crimen, en medio de vocalizaciones de opera y guitarras eléctricas.

Elton John incorpora el piano como un elemento primordial en la música rock, siguiendo la influencia de Jerry Lee Lewis y Los Beatles. En “Madman Across The Water” y “Goodbye Yellow Brick Road”, el músico incursiona con la música clásica, sin perder sus influencias rockanroleras y sin dejar de usar lentes, al igual que Buddy Holly.

La democracia es vista como un negocio sucio y el rock se pasea por instantes en un academicismo y acartonamiento pretencioso, tornándose nostálgico en canciones como “Wish You Were Here de Pink Floyd” ó “The Lamb Down on Broadway” de Génesis. Es la época del rock de vanguardia, que incorpora textos cargados de intelectualismo y densos conceptos, sin perder el síndrome de angustia y frustración que presenta la década.

La Historia del Rock (capítulo 3)

2006-02-11T22:50:00.000-03:00

Periodo Libertario: Sicodelismo (1967-1970)

Déjame llevarte abajo porque voy a Strawberry Fields
Nada es real
Y nada para preocuparse acerca de Strawberry Fields
La vida es fácil con los ojos cerrados
Sin comprender todo lo que ves
Se hace duro ser alguien
Pero si se logra
No me importa mucho a mí

(Strawberry Fields Forever, The Beatles)

Entre 1967 y 1970, la eclosión política-juvenil alcanza su máximo nivel. Es la época de los grandes movimientos juveniles, diversificados y canalizados bajo múltiples formas, asimilados en gran parte por el sistema o perseguidos por la fuerza. El underground florece en todo su esplendor y llega a plantear un modo alternativo de vida con numerosas interrogantes sobre la autodeterminación humana, producto de su acción socializante.

En 1967, los Beatles editan su obra maestra “Sergent Pepper´s Lonely Hearts Club Band”, su disco más elaborado, complejo y experimental. Canciones que hablan de la vejez (“When I´m Sixty Four”), de lo vacías que son las relaciones humanas (“Within You Without You”) y de la imposibilidad de los padres para controlar a sus hijos (“She´s Leaving Home”). Este álbum además sienta un importante precedente para lo que vendrá después al incorporar una orquesta sinfónica en “A Day In The Life”, algo que será natural posteriormente en bandas como Deep Purple, The Moody Blues o Procol Harum.

Los doce temas de “Sergeant Pepper´s” establecieron una nueva norma de realización en la música popular. Brian Wilson, el genio de los Beach Boys al escucharlo dejó de trabajar en su próximo disco. No sólo fue el álbum del año, sino que personificó perfectamente la época sicodélica, cargado de incienso y colores fuertes, marcando un verdadero hito en el desarrollo del rock.

En palabras de Peter Brown, colaborador del grupo, este disco “funcionó como un himno, orquestando nuestras vidas. Con Sergeant Pepper, los Beatles ascendieron de héroes pop a avatares y profetas. El álbum fue alabado, disecado y estudiado como la Torah o el Corán, y hasta dentro de nuestra propia familia de Liverpool, estábamos deslumbrados por este logro”. (Brown y Gaines, 308)

El rock hace suyo el proyecto transformador de su generación y se hace vehículo de cambio. Comienza a ser visto como arte y pasa a ser un elemento central en la denominada cultura de masas. Por su parte, el misticismo y el visionarismo se tornan mundiales.

En Estados Unidos los hippies de la costa oeste llaman a volver a la raíz natural del hombre. Nacen las comunidades alternativas como una opción distinta a la familia tradicional. Se desea abolir el dinero como sistema de cambio y se descarta la idea de un líder único. Los protestantes anglosajones constituyeron un movimiento comunitario, penetrado de una mística literaria, pacifista y de oposición a la sociedad de los 60, considerada en aquel entonces “caduca”. En general, representó una continuidad del movimiento beatnick al cual injertaron principios del budismo, cristianismo protestante, y de ideologías nihilistas o utópicas, así como de algunos autores contemporáneos como Marcuse, Thoreau o Timothy Leary.

Se empieza a hablar del humanismo de los 60 como la doctrina de la energía y la creencia en las potencialidades humanas como motor de transformación social, unido a un deseo por desarrollar el intelecto para alcanzar una síntesis mente-cuerpo. Se generaliza la creencia astrológica de la Era de Acuario, como base para llegar a una civilización de amor y paz.

Jimi Hendrix se presenta en Londres mostrando todo su virtuosismo y hace un llamado a unirse a este proceso de cambios que vive la humanidad.

Si puedes concentrarte
Entonces ven a mí
Juntaremos nuestras manos y presenciaremos la salida del sol
Desde el fondo del mar
Es probable que llores y grites
Que tu pequeño mundo no te permita ir
Pero, ¿a quién en tu despreciable mundo intentas convencer
qué eres de oro y qué no puedes venderte?
Ah, déjame probártelo
Puedo escuchar a lo lejos trompetas y violines
Me parece que nos están llamando
Quizás no puedas oírlos
Pero lo harás si me das la mano
Bien ¿tienes experiencia?
¿Has tenido experiencia alguna vez?
Pues yo sí
No te sentirás volado pero es bello[1].

Por otro lado, Simon y Garfunkel le cantan a la mayoría silenciosa que sufre de una aplastante incomunicación, abulia e indiferencia por el mundo exterior en “Sounds of Silence”.

Otros grupos comienzan a dar a conocer la mística de la sicodelia: Cream (con Eric Clapton a la cabeza), Jefferson Airplane, The Byrds, The Doors, Pink Floyd, Creedence Clearwater Revival, son un claro ejemplo del atractivo cruce de melodías, armonías y ritmos con imaginación, aplicada al intento renovador del mundo.

“El sicodelismo surge como respuesta al racionalismo mecanicista y es una experiencia psicosomática que busca la disolución del ego en la macro esfera cósmica. Favorece la concepción del mundo y la realidad como un todo interrelacionado donde la individualidad humana supera la dualidad cartesiana de espíritu-razón; masa y energía, esencia y superficie; proyectándose como un elemento básico de una cosmología unificada y gozosa”. (Racionero citado por Díaz Fuentes, 26)

El director norteamericano, Stanley Kubrick, edita “2001, A Space Odyssey”, película que en palabras de Steven Spielberg sería “el Big Bang del cine de ciencia ficción”, así también Pink Floyd lanza “Astronomy Domine”, visiones que presentan al hombre enfrentado a un mundo tecnologizado, en donde las máquinas dominan a la humanidad conviviendo con la frialdad y el goce.

Idolos como Mick Jagger y Jim Morrison (de The Rolling Stones y The Doors, respectivamente) son modelos de erotismo y de liberación energética. Jagger muestra su “Simpatía por el Diablo”, poniendo en tela de juicio la visión maniqueísta del bien y el mal en el cristianismo y Morrison llama a “Encender el Fuego”, mostrando que el cuerpo humano es un vehículo de las energías cósmicas y el punto de fusión del intelecto con lo sensual.

The Doors además incluyen la decadencia y la muerte dentro de su temática musical. El hombre al verse enfrentado a un callejón sin salida sólo le queda vivir el mal hasta el fin, en un indefinido “ser para la muerte”. Ejemplo de ello son “Break On Through” y “The End”.

Este es el fin
Hermoso amigo este es el fin
Mi único amigo
El fin de nuestros planes elaborados
El fin de todo lo que crece
El fin. Sin seguridad ni sorpresa
El fin. Nunca miraré a tus ojos nuevamente
Puedes imaginarte lo que será
Tan ilimitado y libre
Con necesidad desesperada de una mano extraña
En una tierra desesperada
Perdido en una desolación romana de dolor
Y todos los chicos están locos
A la espera de la lluvia del verano[2].

Junto a la radicalización en las distintas posturas, el hippismo por su parte con el “Flower Power” y su “All You Need Is Love” llama a la liberación del ser humano, viviendo el amor como una fuente de conocimiento.

En Francia durante mayo del 68, los jóvenes se toman las universidades y hacen temblar a los políticos, liderando a un proletariado europeo adormecido por el bienestar. Todo el mundo discutía la posibilidad de que en el capitalismo avanzado las clases trabajadoras perdían su potencial revolucionario. Los estudiantes en Francia superaron el cerco de la alienación, porque su movimiento atrapó también a los obreros franceses. La vanguardia cultural estudiantil se había convertido en vanguardia política.

“En mayo de 1968, también creí que los estudiantes franceses ensayaban un acto insurreccional que sólo se cumpliría definitivamente en América. Ellos habían tomado la delantera, pero de este lado del Atlántico se preparaba la verdadera, definitiva, lucha revolucionaria. Y América incluía a los Estados Unidos en un arco que iba de los hippies al movimiento negro, representante del Tercer Mundo dentro del Primero”. (Sarlo, http://www.literatura.org/Sarlo/bsmayo.html)

En 1969 se lleva a cabo Woodstock, el festival de rock más recordado en la historia de la música. Hendrix interpreta el himno de Estados Unidos en su guitarra Fender Stratocaster, Joe Cocker hace popular su versión de “With A Little Help of My Friends” y John Lennon comienza su particular protesta por la paz, editando “Give Peace a Chance”. Los Beatles se separan y algunas estrellas mueren al comienzo de la nueva década.

[1] Letra de “Are You Experienced?”, grabada por Jimi Hendrix.
[2] Letra de “The End” compuesta e interpretada por The Doors.

La Historia del Rock (capítulo 2)

2006-02-02T18:16:00.000-03:00

El folk y el rock inglés (1962-1966)

¿Cuántos caminos debe un hombre recorrer
antes de que tú puedas llamarlo un hombre?
¿Cuántos mares debe una gaviota navegar
antes de dormir en la arena?
¿Cuántas veces debe la bala de cañon volar
antes de que sea prohibida para siempre?
La respuesta, amigo mío, está soplando en el viento
La respuesta está soplando en el viento.

(Blowin´In The Wind, Bob Dylan)

A partir de los años sesenta, una especie de revolución cultural afectó a Occidente. Su vector natural fue el rock, el cual transportó al mundo entero los temas de la nueva cultura americana: liberación sexual, uso de drogas, pacifismo y antirracismo.

Fue la época del inconformismo, de las revoluciones culturales y morales. Mientras una guerra estancaba al Estado más potente del mundo en Vietnam, Europa lentamente –con los países escandinavos y Francia a la cabeza- proponía hábitos más liberados en un cine violento y estilísticamente nuevo que trastornaba la rutina de las costumbres de Hollywood. Se polarizaban los bloques orientales, la crisis de los misiles hacía temer un choque nuclear en plena Guerra Fría, el presidente norteamericano J. F. Kennedy fue asesinado en Dallas.

Aparejados a los cambios culturales y políticos, en el mundo se empezó a sentir una necesidad por definirse, tomar posición y defender las libertades individuales contra la represión moral, social y política que limita las distintas expresiones del ser humano.

“Desde la rebeldía y la angustia de los cincuenta a la actitud energética politizada y libertaria de los sesenta, vendrá un cambio que generará un individualismo autonomista-anarquizante en busca de una renovación interior por sobre la transformación económica y política de la sociedad. Es así que los sesenta se inician con una visión crítica hacia el problema mundial”. (Díaz Fuentes, 13)

En este contexto surge el poeta del rock Robert Zimmerman, más conocido como Bob Dylan, quien hace significativos aportes a este estilo musical incluyendo elementos de crítica social responsable y consciente, además de reeditar la figura del juglar que presencia su tiempo y lo refleja en su palabra.

Venid padres y madres
de toda la tierra
y no critiquéis
lo que no podéis comprender
vuestros hijos e hijas
están fuera de vuestro control
vuestro antiguo camino
está envejeciendo rápidamente
por favor salid del nuevo rumbo
si no podéis dar una mano
porque los tiempos están cambiando[1].

Inglaterra comienza la denominada “Invasión Británica” con grupos como The Beatles, The Rolling Stones, The Who y Cream, quienes incorporan la innovación en sus letras y en sus acordes cargados de experimentación, como un regreso a la revolución que trajo el rock´n´roll de mediados de los cincuenta.

Destacado es el trabajo del denominado “cuarteto de Liverpool”, formado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. De extracción proletaria, su música nace con una clara influencia del rock´n´roll de Elvis Presley y desata una fiebre que todavía continúa. Sus canciones si bien se encuentran lejos del lirismo de un Bob Dylan, son sencillas, directas, espontáneas y sin ambigüedades interpretativas.

Tal vez, el rasgo más característico de su primera etapa creativa es la falta de velos o tabúes para decir lo que se siente frente a la vida, el amor, la pareja. Sus mensajes tienden a lo espontáneo y a la excitación sensible.

Por esos años se hace más urgente la necesidad, a través del rock de derribar mitos, plantear una nueva forma de vida y poner en tela de juicio toda una serie de valores hasta entonces vigentes en el orbe. Se cuestionan directamente los grandes argumentos esgrimidos por las estructuras de poder para conservar su hegemonía: la Patria, la democracia, los valores judeo-cristianos, conceptos usados como estandarte de la sociedad occidental en oposición a un Este cuya imagen se ve satanizada a diario por los medios de difusión social y que también forman parte del poder hegemónico.

A partir de los años sesenta se aprecian algunos rasgos intimistas de la filosofía rock: el amor, la soledad, la vida cotidiana, detalles que serán revestidos de un nuevo lenguaje en aras de la liberación individual. También comienza el misticismo alucinógeno de Timothy Leary[2], las disquisiciones filosóficas de Alan Watts, los movimientos por los derechos civiles y la reivindicación estudiantil. Surge el existencialismo como respuesta a la crisis sistemática e interior del hombre, expresada en relaciones íntimas sin compromisos ni ataduras, el vagabundeo como fuente de conocimiento y el visionarismo.

Por otra parte, aparece una importante cantidad de movimientos revolucionarios que vinculan las palabras de líderes sociales, hechos históricos y el arte que vive en ellos. Se populariza “la canción protesta” en manos de Joan Báez, Joni Mitchell y Crosby, Still & Nash.

Como explica Fabio Salas, “las estructuras de poder se derrumbarán ante el empuje de la mayoría silenciosa. Se advienen tiempos telúricos, profundos, estelares. Nuevamente es momento de profecías bíblicas, sólo que esta vez no se canta a la llegada de un Mesías sino la gesta épica de una multitud que entrará a influir definitivamente sobre el curso de la historia”. (Salas, 38)

Mirando un poco más hacia nuestro país, en los ’60 se encuentran diversas corrientes, siendo la más poderosa en términos comerciales, la llamada ‘Nueva Ola’, quien debe su nombre a La Nouvelle Vague (Nueva Ola francesa) de la cual sólo heredó el apellido, ya que entre las dos existían claras diferencias estilísticas. Esta tendencia adquiere singular significación, contribuyendo a ello varios factores: la necesidad de dar cuenta de un proceso en el cual las generaciones más jóvenes comenzaron a ser actores distintivos y se hizo notar el requerimiento de ídolos nacionales, que fueran el símil de las estrellas pop extranjeras, pero a su vez alcanzables para el público medio.

David Mac-Iver, fundador de Los Mac´s, una de las bandas más características de aquellos años, recuerda lo que fue el espíritu de la juventud de esa época:

“No existía la idea de confrontación, seguíamos siendo obedientes con nuestros padres y no teníamos independencia ni económica ni de otro tipo; pero al menos, ya poseíamos una cosa propia, que era compartir con los demás jóvenes que mostraban señas similares en el vestuario y la música (...) Nacía la primera tribu urbana: los rockanroleros. Se trataba de ir a bailar y de juntarse en ciertas partes. En Las Salinas, por ejemplo, había una carpa donde se tocaba exclusivamente rock and roll”. (Mac-Iver entrevistado por Escárate, 1998, 42-43)

De esta forma, se aprecia como en nuestro país desde los orígenes del rock, los grupos y los fanáticos adoptaron no sólo el estilo de tocar, sino que también algunos elementos como la vestimenta y el cantar en el idioma original (el inglés) como fue el caso de Los Vidrios Quebrados, Los Dolcevitos y Los Jockers. Estos últimos en la revista Ritmo decían:

“Seguimos la línea europea porque nos sentimos solidarios de los problemas que afectan a los jóvenes del Viejo Mundo, los que han debido sufrir conflictos tales como dos guerras mundiales, con todas sus consecuencias: hambre, desocupación, orfandad y el derrumbe de conceptos como moral y amor. Somos partidarios de todo lo que tenga carácter internacional, porque presenta los problemas mundiales y no los regionales. Debido a ellos hemos cultivado este tipo de música y no el folklore”. (citado por Escárate, 1995, 18)

Si bien la mayoría de estas bandas nacen a la vida musical tocados por esta nueva energía, son en rigor imitadores, que en el mejor de los casos, tratan de adaptar o hacer suya la problemática de las generaciones jóvenes del Primer Mundo; perciben en esta música contenidos y actitudes esenciales de rebeldía generacional, lo que marca una diferencia con los conjuntos de laboratorio. Existe en ellos un sustrato, una influencia reflexiva que hace suponer un posterior e incipiente proceso de autonomización cultural. Hay también un afán de diferenciación con la Nueva Ola, a la que tildan de “comercial”; y para ello, como explica Lito Escárate, de manera casi paradojal, la mayoría canta en inglés, lo que a primera vista parece un contrasentido.

Pero, no hay que olvidar, como agrega Eva Giberti, que el rock nació de la mano de la globalización y la tecnología.

“No fueron necesarios acuerdos internacionales para difundir el rock: las coincidencias entre adolescentes de diferentes latitudes se gestaron a través de los armónicos que atravesaron el aire, enhebrando –a la distancia- deseos y frustraciones narradas en las letras de sus canciones. Asistimos a la producción de una territorialidad internacional en la que encontramos identificaciones entre los adolescentes de diversos países”. (Giberti, 180)

En 1965 los Beatles inician su etapa más madura con Rubber Soul, trabajo con una clara influencia Dylan, proyectando la interioridad humana en temas como “Norwegian Wood”, “I´m Looking Through You”, “If I Needed Someone” o “In My Life”. Esta última es una muestra más de la introspección en las palabras de John Lennon.

Hay lugares que recordaré toda mi vida
Algunos cambian y otros permanecen
Algunos definitivamente no para bien
Algunos ya no existen y otros quedan
En todos esos lugares hubo instantes con amantes y amigos
A quienes puedo recordar
Algunos están muertos y otros viven
En mi vida, los he amado a todos[3].

Rubber Soul marcó el fin de las canciones de amor simplistas y melosas, reemplazadas por un deslumbrante espectro de sonoridades pasando de lo banal a algo mucho más trascendental. El sonido mismo de su música era notablemente distinto; más exquisito, más melodioso, obsesionante. En vez de ser una suma de éxitos, fue el primer álbum con identidad propia, una atmósfera única y un sonido particular. No hay que olvidar que ese disco fue el último que promovieron en giras, con lo que tendrían más tiempo para trabajar en los estudios Abbey Road.

Por otra parte, 1965 coincide con la consolidación de The Who y The Rolling Stones, ambos grupos con un fuerte componente “underground” en su lírica y un estilo bastante más desenfadado que el de los Beatles. Se agudizan los conflictos raciales y es asesinado el líder negro Malcolm X. Estados Unidos invade República Dominicana y Vietnam.

“El underground señala, y esto es importante, que todos los actos de la vida humana son políticos, que política es, a fin de cuentas, la práctica existencial de un individuo en la colectividad o en un contexto histórico social establecido. Este concepto, abiertamente revolucionario, viene a renovar todo el trabajo progresista de la época y señala de paso, la anacronía y falsedad de la práctica política de las sociedades de Occidente, donde la prosecución de la autoridad y de la hegemonía tiende, la mayoría de las veces, a consolidar una uniformidad en la práctica vivencial y en la psique del individuo, haciendo de éste un mero instrumento del engranaje social”. (Salas, 48)

Se comienza a concebir la política desde la vida cotidiana. El Estado es visto como un obstáculo para las libertades individuales y el rock pasa a ser un ente crítico de la realidad. Sus letras se vuelven más existencialistas y empiezan a tomar un color más político. Se cultiva la irreverencia y se llama a la autoconciencia, sin dejar ningún aspecto de la realidad al azar.

Por su parte, los adultos aparecen más lejos que nunca. Se polarizan dos formas de ver el mundo diferentes, muy dicotómicas; una asimilada a lo establecido, “al sistema” y otra contraria al autoritarismo y a la represión vigente. Ante la frialdad de los mayores, los jóvenes responden emocionalmente con lo que tienen a mano: su ropa, el lenguaje, la música, el pelo largo, el mundo de lo simbólico.

“La rebelión es ante todo un hecho colectivo, se ha señalado con anterioridad que sólo existe una liberación en el hombre: aquella que tiene que ver con su entorno social; una liberación en términos individuales sólo lo es en la medida en que es un elemento global de un cambio generalizado e irreversible. El ser humano merece la libertad por derecho propio”. (Salas, 49-50)

Surge una nueva individualidad que busca, a través de los cambios en la cultura, un quiebre en el orden social. Se plantea la libertad por derecho propio del ser humano y como agrega Fabio Salas, encuentra su enajenación desde que sus primeros impulsos naturales son negados por convenciones sociales, reglas heredadas desde la infancia, estipulaciones éticas o hábitos asimilados en la psique.

Se busca crear un sistema que requiere reglamentar la vida de sus integrantes uniformando conciencias. Los Rolling Stones, por ejemplo, afirman en sus composiciones que el hombre es prisionero de códigos e instituciones que afectan sus decisiones y su capacidad de elegir. La libertad, desde esta perspectiva, sería un problema político más que filosófico.

El rock se constituyó en los sesenta en un arte urbano, popular, y por sobre todo joven, que se expande superando las fronteras, rompiendo barreras, llevando su ideología libertaria a distintos rincones del planeta. Así este estilo musical pasó a formar parte del patrimonio cultural de la generación que lo produjo y contribuyó a mostrar con energía la creciente crisis de las instituciones del sistema.

De esta forma, 1966 es el año final de la fase de ruptura. Por esos días, irrumpe con fuerza la sicodelia de los Beach Boys con “Pet Sounds”, disco que más adelante sería tomado como emblema por los Beatles en el sinfónico “Sergeant Pepper´s Lonely Hearts Club Band”. Se establece con más seguridad el proceso de autoconciencia entre los jóvenes y los textos de las canciones adquieren una mayor profundidad, originando un trabajo de mayor valor estético.

“Es la transición hacia la madurez del rock que ligado al nacimiento, desarrollo y eclosión del underground generarán un vehículo de manifestación libertaria, politizada y energética que caracterizará al movimiento juvenil más destacado hasta la fecha del siglo XX; conformando el periodo que abarca la segunda mitad de la década de los sesenta y los primeros años de la siguiente”. (Díaz Fuentes, 22)

Este estilo musical ha dejado de ser una entretención y se consolida como un fenómeno artístico de mayores proporciones. Más que un verdadero agente de cambio, el rock se establece en un espejo de la realidad donde cada problema se enfrenta con una mirada más diversa, más energética y sin tantas represiones.

[1] Letra de “The Times They´re A-Changin”, escrita por Bob Dylan
[2] Profesor de Sicología expulsado de la Universidad de Harvard en 1963 por promover el uso de drogas alucinógenas como camino para lograr un nuevo orden interior.
[3] Primer estrofa traducida de “In My Life”, editada por los Beatles en 1965.

2006: El año de Mozart

2006-02-01T12:27:00.000-03:00

A 250 años del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart
Requiem para un genio

El 27 de enero de 1756, a las 8 de la noche, nació Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theopilus Mozart en Salzburgo, Austria. Por esos días, la ciudad giraba en torno al comercio y tenía algo más de 15 mil habitantes. Los centros culturales más importantes de Salzburgo eran la Universidad Benedictina y la Corte del Arzobispo, donde trabajaba Leopoldo, el padre de Mozart.

Fue precisamente allí donde el pequeño genio se inició en el arte de crear suaves melodías, cultivando un talento innato que recorrería distintas ciudades de Europa, llegando a Francia, Italia, Inglaterra y Holanda.

En uno de sus viajes por Inglaterra (1764), Mozart conoció al hijo menor de Juan Sebastian Bach, Juan Cristian, quien trabajaba en la corte del rey Jorge III y destacó la genialidad del músico. En 1786, Wolfgang llegaría a empatizar con un gran pianista de solo 16 años, a quien le dio algunas breves lecciones, repitiendole posteriormente a sus amigos: "Escuchen a este joven. No lo pierdan de vista que alguna vez hará ruido en el mundo". Era Ludwig Van Beethoven.

Su música

Entre los cuatro y los seis años Mozart compuso 22 piezas. A lo largo de su vida, compuso 626, incluyendo 23 óperas, 20 misas, 49 sinfonías, 66 arias, 27 conciertos para piano. A los cinco escribió su primer concierto, a los siete su primera sinfonía y a los doce su primera ópera.

Su trabajo, mucha veces era por encargo, como fue el caso de la opera "El rapto en el serallo", escrita en 1781 por encargo del emperador Joseph II y que en Viena fue recogida fríamente. El mismo emperador dijo: "tiene muchas notas", crítica a la que el genio respondió: "exactamente no hay más que las necesarias".

Un compositor con semejante talento y maestría no pudo llevar una vida convencional. En algunas biografías se trata el carácter festivo de Mozart, acostumbrado a salir en las noches e incapaz de llevar una vida ordenada al menos económicamente. Lo cierto, es que el músico luego de conocer las cortes de emperadores y reyes no pudo llevar una vida austera y se vio obligado incluso a empeñar algunas joyas de la familia.

Murió el 5 de diciembre de 1791 a los 35 años. Enfermo debido a una complicación renal. Fue enterrado en una fosa común. Pasaron varios años hasta que se le construyera un monumento en su honor, en el lugar donde dejaron su cuerpo. Pero no se tiene certeza absoluta de donde están sus restos.

Mozart es sin lugar a dudas, el músico clásico más talentoso que ha existido. No ha habido en la historia otro genio musical que haya manifestado tan tempranamente su arte y con una variedad de estilos que pasado el tiempo, aún no termina de impresionar.

Pagina Web Oficial Aniversario: http://www.mozart2006.net/

El supuesto craneo de Mozart: http://www.terra.cl/noticias/noticias.cfm?id_reg=576961&id_cat=1167

Los Jaivas y su influencia musical

2006-01-28T15:06:00.000-03:00

"Un pregón para iluminarse"

La banda no sólo es recordada por el virtuosismo entregado en sus presentaciones, sino que también por la originalidad con que fusionaron ritmos tradicionales del altiplano junto al complejo entramado armónico y melódico del rock progresivo.

Aunque los años no pasan en vano y el tiempo, infalible, a veces nos confunde, todavía permanecen los recuerdos de aquel movimiento cultural denominado “la revolución de las flores”, de finales de los sesenta. Por esos días, artistas de distintas tendencias se refugiaron en la vanguardia para experimentar con diversas sonoridades y colores. En Inglaterra, por ejemplo, The Beatles reproducían los solos de guitarra al revés y le cambiaban el sonido a los instrumentos, muestra de ello tenemos el excelente disco “Revolver” de 1966.

A los 21 años, Eduardo Alquinta ya era conocido como el “Gato”. Inquieto por naturaleza, tiempo atrás había formado los “High Bass” (alto-bajo en inglés) por las notorias diferencias de porte entre los miembros de la banda integrada por Mario Mutis en bajo y los hermanos: Gabriel, Claudio y Eduardo Parra en batería, piano y acordeón.

Aunque todos con diferentes influencias musicales, provenientes del jazz, la música clásica, la canción popular, el folklore y, en menor medida, el rock, la banda comenzó a tomar forma y al poco tiempo fue adoptando su propia identidad, cambiándose al criollo nombre de “Los Jaivas”.

El fenómeno “Todos Juntos”

De aquella ferviente búsqueda de nuevos sonidos y temprana improvisación, el grupo llegó a valorar las raíces musicales latinoamericanas, explorando con sonidos de instrumentos ancestrales como la quena y la ocarina, dentro de un esquema general más rockero que emulaba el estilo de Hendrix, Led Zeppelin y Cream.

También en esa época comenzaron a realizar actuaciones en vivo sin pautas armónicas fijas y sin un orden de canciones, ocupando una gran cantidad de instrumentos, tanto eléctricos como acústicos, en una fusión única en la historia de la música chilena y latinoamericana.

“Yo quería tocar con la guitarra una música precolombina. Inventé nuevas escalas: nunca hice un riff de rock, sí frases de quenas. Tocaba la guitarra, imaginando una tarka en cuartas y quintas paralelas”, explicaba un joven Eduardo Alquinta, cada vez que le preguntaban por su curiosa forma de componer.

Los Jaivas no sólo son recordados por el virtuosismo entregado en aquellas presentaciones sino que también por la originalidad de sus discos que fusionan ritmos tradicionales del altiplano junto al complejo entramado armónico y melódico del rock progresivo.

“El mayor aporte de ellos es familiarizar al gran público con una mezcla de elementos étnicos, tradicionales, con música rock y popular”, aclara Francisco Sazo, vocalista de Congreso.

En 1972, la banda saltó a la fama con “Todos Juntos”, una hermosa canción a ritmo de huayno que incluía un riff de guitarra eléctrica al estilo Woodstock y una marcada pista de batería, realizada con maestría por Gabriel Parra. La canción que no puede faltar en un concierto de los Jaivas es un fiel retrato del idealismo de esos años.

“Si vivimos todos separados
para qué son el cielo y el mar.
Para qué es el sol que nos alumbra
Si no nos queremos ni mirar”

Luego de “Todos Juntos”, la banda emitió una especie de “declaración de principios” que años más tarde sería recordada por los historiadores de la música como uno de los hitos más importantes a la hora de entender el fenómeno del rock de los setenta.

“Consideramos que nuestra música se nutre en sus raíces del ámbito que nos rodea (paisaje, vida en comunidad, vida interior o experiencia) a la vez que se debe tener en cuenta la cultura musical de cada integrante del grupo. Entendemos por cultura musical, toda la música de la que tenemos memoria haber escuchado, junto con los sonidos que a diario nos enfrentan. En consecuencia, la sentimos como un arte de ver, gustar, palpar, oler y escuchar y va dirigida a todos los hombres que aman la naturaleza y la creación en todos sus grados”.

Alturas de Machu Pichu

Esa espiritualidad y relación con América Latina, fue el aliciente para que los Jaivas grabaran el que sería uno de sus discos más emblemáticos y recordados.

En “Alturas de Machu Pichu”, de 1981, estrenaron un nuevo sonido, menos local y más internacional. La guitarra potente de Eduardo “Gato” Alquinta suena más actualizada y las clásicas melodías de Claudio y Eduardo Parra impactan por su limpieza. Así también, la selección de los versos de Pablo Neruda es muy certera, logrando una musicalización perfecta con el texto original.

Horacio Salinas, ex Inti Illimani, enfatiza el aporte de “Alturas”. “Con ese álbum, ayudaron al acercamiento del estilo rock, en boga por esos años, con las raíces latinoamericanas. De ellos se aprecia un especial interés por la poesía musical de América Latina, lo que fue una contribución única en la historia”.

En palabras de Claudio Parra en “Los caminos que se abren”, aclara las motivaciones para realizar el disco. “Las llamadas insistentes de Daniel Camino no paraban, así que decidimos atacar el asunto de una vez suspendiendo todas las actividades. El primer tema que salió es Aguila Sideral y luego vino Sube A Nacer Conmigo Hermano. Lo curioso es que se toca en una tonalidad muy inusual, Mi bemol menor. Generalmente en guitarra se crea en La o en Mi y en piano en Do, que es más fácil".

Con una complejidad armónica inusual para un grupo folclórico, “Alturas” sigue siendo uno de los trabajos más laureados por los críticos y los fanáticos del rock nacional.

Sobre ese nuevo mensaje musical, en las cuatro décadas que siguieron los Jaivas dejaron obras inmortales que son parte importante de la cultura de Chile. En palabras de Freddy Stock, ellos ocupan un sitio de honor en la evolución del género folclórico. “Junto a Pablo Neruda, Violeta Parra y Victor Jara, los Jaivas son un pilar central de nuestra cultura”.

La Historia del Rock (capítulo 1)

2006-01-28T14:16:00.000-03:00

Los orígenes del rock´n´roll (1953-1961)

Puedes quemar mi casa
Robar mi coche
Beber mi licor de la vieja jarra
Hacer cualquier cosa que se te antoje
Pero uhhh, mi amigo, apártate de esos zapatos
No pises mis zapatos de gamuza azul.

(Blue Suede Shoes, Carl Perkins)

El rock and roll con sus guitarras eléctricas y su ritmo frenético ha sido por excelencia el movimiento de los jóvenes desde 1953. Con la aparición del "Rock Around The Clock" de Bill Haley y sus Cometas, comenzó a tomar forma este fenómeno que surgió de la mezcla entre el Rhythm & Blues (estilo urbano, clásico de los negros en Estados Unidos) y el Country Western (música por esencia de los blancos y proveniente del campo). La unión entre dos corrientes musicales tan disímiles a través de la música era todo un quebrantamiento a las reglas preestablecidas por la sociedad de los cincuenta. No hay que olvidar que por esos años en Estados Unidos los conflictos raciales continuaban muy latentes entre los norteamericanos.

Calificado de “demoníaco” y “hereje”, todavía quedan en el recuerdo las imágenes de Elvis Presley cantando “Hound Dog” grabado por la cámara de televisión de la cintura para arriba, censurando los movimientos que después harían famoso al cantante de Memphis.

En efecto, durante los años que surgió el rock´n´roll[1], desde 1953 hasta 1958, paralelo al movimiento Beatnik, al Maccarthysmo y a la guerra fría, este estilo fue considerado una verdadera rebelión musical y social, un duro golpe al interior de la sociedad americana que se ve “contaminada” con esta “música de negros”. Fue prohibida en varios Estados y muchos cantantes de color como Little Richard o Chuck Berry, se vieron obligados a “blanquear” sus rutinas para ser presentada ante públicos blancos[2].

Para recordar esta diferencia cabe evocar la declaración del secretario del North Alabama White Citizen Council, Asa Carter quien aseguraba que: “a través del Rock and Roll, el hombre blanco queda rebajado al nivel inferior del hombre negro. El Rock and Roll es parte integrante de un complot para socavar la moral de la juventud de nuestro país. Tiene carácter sexual inmoral, y es el mejor camino para fusionar ambas razas”. (Kaiser citado por Salas, 22)

Así, se ve como en el rock desde sus inicios existe una ambigüedad que no ha sido eliminada, pues es una música híbrida, avergonzada de sus raíces. No hay que olvidar que la música popular norteamericana es producto de una combinación de tradiciones blancas y negras. El folclore negro del continente americano tiene sus raíces en Africa, lo que se nota por ejemplo en cantos religiosos como el Gospel que se canta en las iglesias, siempre con un marcado patrón rítmico, ideal para expresar con gran emoción los sentimientos más profundos.

El rock ´n´ roll como conflicto racial, es el lugar de enfrentamiento entre dos culturas enemigas; ritmos y melodías negras, asfixiadas por el establishment blanco que marginaba a los artistas de color.

Como conflicto moral, el rock´n´roll se presenta como la plataforma reivindicativa de una juventud deseosa de afirmarse y fortalecerse frente al mundo adulto. Es así como los jóvenes de los cincuenta, lo sienten patrimonio exclusivo de su estilo de vida y de su generación.

Por una parte, el aumento en el poder adquisitivo, luego de la Segunda Guerra Mundial, les entregó la posibilidad de adquirir bebidas más fuertes, automóviles nuevos y más rápidos, discos de 45 revoluciones por minuto e ídolos de la talla de James Dean, Marlon Brando, Elvis Presley, Eddie Cochran y Gene Vincent, marcando el paso de un puritanismo sexual de la América de Eisenhower a la libertad de vestir la chaqueta de cuero negra y vibrar al son de “Whole Lotta Shakin` Goin On” de Jerry Lee Lewis. Como diría Phillipe Paraire, “la música rock de los grandes creadores de este período fue sólo el rasgo estético de una voluntad generalizada de cambio en la juventud. Trabajando duro, los supervivientes de la guerra dieron a sus hijos un poco de bienestar, objetos nuevos de consumo, pero también demasiada rigidez moral, demasiadas lecciones”. (Paraire, 76)

Se asume la formación de una subcultura en donde la vestimenta, la música y la velocidad se transformaron en una tendencia rupturista contra el orden ofrecido por el colegio, sumado a un extremado paternalismo de los mayores hacia los más jóvenes.

Acusado de desmembrar familias, convirtiendo a inocentes niños en blousons noirs, beatnicks y mods, los padres no comprendieron el suceso, que por vez primera se originaba para y desde los jóvenes. El rock divide, choca, perturba; es considerado peligroso porque se ha impuesto como el soporte privilegiado de las reivindicaciones de la juventud.

Es importante, eso sí, destacar que la temática del rock´n´roll no comenzó tanto como un canto de rebeldía social, como lo fue el Blues contra la explotación y la discriminación hacia los negros, sino que fue más bien una especie de reflejo de los hechos que rodeaban a la cultura juvenil como los encuentros amorosos y el baile en las fiestas.

“El Rock and Roll no es un arte políticamente comprometido, la subversión se da en sus aspectos extraliterarios, ya sea la misma música, la vestimenta o la ceremonia grupal; el mensaje, ya se ha dicho, aun en sus creadores más avanzados, no tiende a adoptar una postura crítica frente a la realidad, tampoco presenta programas existenciales a seguir, sólo rescata el aspecto aglutinador, la eclosión sociológica de una generación que por primera vez adopta, aunque vagamente, cánones y posturas propias, principiando lo que llegará a ser una verdadera transformación en el estilo de vida de la sociedad occidental de la segunda mitad del siglo XX”. (Salas, 25)

La televisión y los medios de comunicación también juegan un rol esencial multiplicando los shows, haciendo y destruyendo reputaciones a golpe de entrevistas y de escándalos controlados o creados enteramente. El rock´n´roll y sus artistas se ven sumergidos por un éxito que nadie puede prever.
La anterior sumisión a las reglas impuestas por la familia, el vecindario, el colegio y el Estado desemboca en un estado de alienación marcado por un quiebre en las relaciones sociales, familiares y de pareja.

“A través de la rebeldía, el baile, la velocidad, etc. Se busca romper el encajonamiento físico de la vida burguesa y a su vez convertir estas expresiones en una válvula de escape a la histeria y neurosis del modernismo. El rock and roll es una manifestación del anarquismo sensitivo que posee la música, es una invitación a llevar más allá de ella todo lo que sugiere y se transforma en un acto catártico, verdadero ritual o moderna ceremonia dionisíaca, donde el sexo, violencia, sensualidad, política, cuerpo, satanismo, comunión e incluso la religión se interrelacionan en una simbiosis que a fuerza de ser recalcada por los medios de comunicación de masas, pasará a ser un ritual cotidiano”. (Díaz Fuentes, 11)

Al respecto, José Manuel Valenzuela agrega que “el joven estudiante que desde los años treinta evidenciaba la viabilidad de la educación como recurso de movilidad social devino agente extranjerizante, sospechoso de ideas comunistas, amoral y sexualmente promiscuo”. (Valenzuela et al., 41)
[1] Alan Freed, fue el primer disc-jockey blanco en acuñar este concepto con múltiples significados basados en las expresiones usadas por los “bluesmen” para describir el acto sexual.
[2] El cantante Pat Boone se hizo famoso por interpretar “Tutti Frutti”, el hit de Little Richard y “Ain´t That A Shame” de Fats Domino pues ambos estaban vedados en algunas radios “para blancos”.

2001: Una Odisea Espacial

2006-01-28T13:40:00.000-03:00

Una interpretación de la obra maestra de Stanley Kubrick
“2001, Una Odisea Espacial”

No son pocos los que luego de ver “2001, A Space Odyssey” (1968), se quedan sin entender algunas escenas. En especial, el final cuando el protagonista muere para marcar el inicio de un nuevo ser.

Si tú eres de los que no entienden lo mostrado en esta obra de Kubrick, la máxima ópera del cine de ciencia-ficción, acá se ofrecen algunas pistas. Aunque no hay que olvidar que lo que ocurre en la pantalla no tiene ningún sentido sin incluir la experiencia propia de cada uno a la hora de valorar una obra de arte.

El siguiente análisis incorpora elementos ofrecidos por el académico Gastón Soublette en el texto “Simposio Kubrick” de la Universidad Católica de Valparaíso editado en el 2002.

La película comienza con los inicios de la humanidad. Arthur C..Clarke, autor de la novela “El centinela” en la que se basó el filme, presenta a Moonwatcher (vigilante lunar) como el protagonista de la primera historia (la vida de los monos).

Cuando Moonwatcher encuentra un hueso y comienza a golpear el esqueleto de un animal, esto representa el dominio del hombre por sobre los animales. Luego ese mismo objeto le sirve de arma para atacar a otro mono, lo que muestra la supremacía de quienes poseen las armas para someter al resto.

Ese mismo adminículo después es reemplazado por una nave espacial demostrando la continuidad del género humano. Desde esta perspectiva, el hombre del espacio sería el mismo que el antropoide: una bestia domesticada, pero una bestia al fin y al cabo.

El monolito negro representa el despuntar del pensamiento y la existencia de que existe vida en el espacio. En efecto, la piedra se repite en la luna y en Júpiter.

Kubrick a lo largo de su carrera contradice el concepto de progreso cualitativo que se le entrega a la evolución. Se supone que a medida que el hombre avanza en la historia terrestre existe un mejoramiento de la calidad de vida. Sin embargo, el hombre se ha vuelto cada vez más violento (esto se aprecia en Alex de “A Clockwork Orange”) y más inseguro (Bill Hartford en “Eyes wide shut”). Entre más armas compra, más cerca se encuentra del Holocausto Nuclear (Final de Dr. Strangelove)

En 2001, Heywood Floyd, el funcionario del gobierno norteamericano que viaja a la luna, representa al descendiente directo de Moonwatcher. Viste de color café, el mismo color de los antropoides. Aparece dormido al igual que los monos de la Tierra. Es un burócrata satisfecho, vanidoso, se da importancia por su trabajo de servidor público. De hecho le niega a sus colegas rusos la información de la base Clavius donde está el monolito, como una estrategia de desinformación.

Un fotógrafo se preocupa de relatar el viaje de Floyd para que este figure en los diarios y las revistas. Los discursos que se dan en la luna son vanos, sólo formalidades y no conversan del tema de fondo: el monolito en el cráter, la posibilidad de encontrar vida extraterrestre (el mayor de los misterios, junto a la concepción del universo).

Kubrick exhibe el vacío espiritual de Floyd, quien se da una excesiva importancia, discutiendo, por ejemplo, cómo son los mejores panes con jamón. Reflexiona: el progreso tecnológico, ¿es un verdadero progreso para la humanidad?

La atmósfera de misterio; la aparición del sol y el recogimiento de los antropoides muestra que al menos ellos respetaban ese misterio natural. Floyd no tiene el respeto de sus antepasados. La sacralidad del espacio es castigada, aparece como un turismo vano.

El Waltz de Strauss: retrata con ironía el baile de la nave espacial como una novia mimada de la civilización. La música triste (Adagio de Haraturian) representa el fracaso del hombre que vive sólo para las máquinas.

La computadora HAL representa a la IBM, en esos años la mayor empresa de computación, hoy sería Microsoft.

HAL controla todo con su mirada. Sabe y lo puede todo. Es la máxima creación del hombre, pero se vuelve en su contra. El hombre no puede jugar a ser Dios. Para Kubrick el científico es un arrogante que disfraza la tecnología como algo mejor, sin reconocer que esta puede volverse contra su creador.

¿Y quién se salvaría de esta crisis? Sólo los que tienen un espíritu crítico hacia el sistema. El resto es arrasado. En 2001, David Bowman (el que desconecta a HAL) representa al espíritu crítico. Gana bajo la lógica de poner en conflicto a su adversario. Por eso es una ODISEA espacial porque el héroe (David) triunfa sobre el Monstruo (HAL-Goliat).

En el corto viaje que realiza, Bowman envejece rápidamente (guiño a la teoría de la Relatividad de Albert Einstein). Cuando muere, este hombre viejo, sin hijos ni familia, se encuentra en la mayor soledad, agonizante le pide a Dios que le dé vida. Cuando levanta el dedo hacia el techo, se nota la similitud del cuadro de la capilla sixtina de Miguel Angel donde Adán hace exactamente lo mismo.

En la novela el monolito poseía las siguientes dimensiones: 9 mt de alto, 4 mt de ancho y 1 de espesor. Para el alfabeto hebreo esas tres cantidades representan tres letras: A-M-T, que tienen que ver con la perfección y la creencia de un Absoluto. Las pirámides de Egipto tienen una exacta correlación entre esos números y representan un modelo de perfección.

Cuando David Bowman realiza el viaje por el espacio, los 12 satélites de Júpiter se encuentran alineados. Algunos analistas creen que en esa toma Júpiter representa a Israel y que los 12 satélites serían las 12 tribus.

El tema que da inicio y final a 2001 se llama “Asi habló Zaratustra”. De acuerdo a algunos musicólogos, esta obra de Richard Wagner es el anuncio que realiza un profeta de que Dios ha muerto.

De los despojos de David, surge un retoño (Mesías) que no sólo vendría a salvar al hombre, sino que también a juzgarlo. Eso es lo que representa, la última imagen de la obra maestra de Stanley Kubrick.

Las Crónicas de Narnia: el león, la bruja y el ropero

2006-01-27T16:03:00.000-03:00

Comentario de Cine
“Las Crónicas de Narnia: el león, la bruja y el ropero”

Llegó a Chile el estreno más esperado del año: las “Crónicas de Narnia: el león, la bruja y el ropero”, la última apuesta de Disney para llegar a la taquilla, siguiendo la senda de “Toy Story”, “Buscando a Nemo” y “Monsters Inc.”, en un entretenido filme donde se mezclan los personajes animados con los actores reales y con un presupuesto que supera los 100 millones de dólares.

La película cuenta la historia de cuatro hermanos, Lucy, Susan, Edmund y Peter Pevensie, que tienen que dejar su casa, pues corren el riesgo de morir debido a los intensos bombardeos que afectan a Londres en plena Segunda Guerra Mundial.

Viajando en tren llegan al hogar de una tía y jugando a las escondidas descubren un armario mágico donde existe un universo paralelo conocido como Narnia. Un reino encantado donde los animales tienen la capacidad de hablar y organizarse para frenar a una reina blanca que los tiene sometidos bajo un eterno invierno de más de cien años.

Allí, los niños conocen a Aslan, el rey león que domina a los animales y que reúne un particular ejército de faunos, minotauros y centauros para derrotar a la bruja, interpretada magistralmente por Tilda Swinton.

Las comparaciones entre “Las Crónicas de Narnia” y “El Señor de los Anillos” son prácticamente inevitables. Partiendo por la cercanía entre sus autores. C.S. Lewis estudió en Oxford junto a J. R. Tolkien y eran parte de la misma comunidad, los “Inklings”. Ambos escribieron la obra durante la Segunda Guerra Mundial.

En lo que respecta a los efectos digitales del filme, en ambos se ve la labor de la productora “Walden Media”, responsables de crear a “Gollum” en la saga de Peter Jackson. Acá le dan vida a los animales que interactúan con los “hijos de Adán” y las “hijas de Eva”.

La película está muy bien realizada y entretiene en sus casi tres horas de duración. Destaca la dirección de Andrew Adamson (el mismo de Shrek I y II), que se nota conoce la temática del género de aventuras y utiliza numerosos recursos audiovisuales para captar la atención del público. Las ambientaciones son de primer nivel sobre todo las que respectan al mágico mundo de Narnia con sus personajes amables y mitológicos.

Impecable es la actuación de Georgie Henley en el rol de la pequeña Lucy Pevensie, quien descubre este universo paralelo donde los niños son los verdaderos protagonistas. Por su parte, la banda sonora de Harry Gregson-Williams en ocasiones se asemeja bastante al soundtrack del Señor de los Anillos. Sobre todo aquellos temas basados en temáticas irlandesas y corales. Sin embargo, en la escena que da inicio al filme (la de los bombardeos) destaca la utilización de los instrumentos de percusión, muy al estilo de John Williams en Star Wars.

El punto débil del filme es sin lugar a dudas la poca profundidad de sus personajes. En especial el del héroe Peter Pevensie (interpretado por William Moseley), quien se encuentra a años luz del valiente personaje literario. Temeroso y poco consistente, se ve opacado por la excelente actuación de su hermana Lucy.

Nota aparte merece la analogía que se teje entre esta historia y el cristianismo. Detalles que prefiero omitir para no contar el final (pero que notará al ver la película). Algunas pistas: las crónicas de Narnia pretenden ser una especie de compendio de los valores y debilidades del ser humano. En esta obra también hay un Mesías, sus apóstoles y un traidor. Se rumorea también que Lewis habría tomado la figura de Aslan debido a que Jesús se le conocía como el León de Judea.

Sumando y restando la película cumple con las expectativas y pese a alejarse por momentos de la obra literaria, se agradece su realización que entretiene y cautiva con la magia de sus personajes.

TÍTULO: Las Crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario TÍTULO ORIGINAL: The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe PRODUCTORA: Walt Disney Pictures DURACIÓN: 171 minutos DIRECTOR: Andrew Adamson
BANDA SONORA: Harry Gregson-WilliamsREPARTO: Tilda Swinton, Brian Cox, Georgie Henley, William Moseley, Skandar Keynes, Anna Popplewell, Rupert Everett, Dawn French, James McAvoy, Shane Rangi, Patrick Kake, Elizabeth Hawthorne, Kiran Shah, James Cosmo, Judy McIntosh, Sala Baker, Jim Broadbent, Stephen Ure, Ray Winstone GÉNERO: Aventuras WEB OFICIAL:http://www.narnia.com/

Back Home (2005) - Eric Clapton

2006-01-27T15:37:00.000-03:00

Eric Clapton – “Back Home” (2005)
Como hecho en casa

Un viejo refrán dice que no hay nada mejor que volver a casa, sobre todo después de haber recorrido mucho o de estar lejos del hogar. Ese sentimiento inunda el último disco de Eric Clapton, “Back Home”, trabajo en estudio que viene a suceder a “Me and Mr Johnson” (2004), realizado en homenaje al “bluesman” Robert Johnson, máximo ídolo del guitarrista.

“Back Home” es el regreso de Clapton a la composición y de la mano del productor Simon Climie, logra puntos interesantes como es el caso de “So Tired”, un tema estilo funky con excelentes arreglos de bronces, recordando por momentos la dupla que hizo con Phil Collins en “August” (1986).

Cambiando la marcha, Slowhand deja atrás el blues que ha destacado sus últimas producciones y se pasea con calidad (y comodidad) en el reggae, como es el caso de “Say What You Will” y “Revolution”. Esta última ya se escucha en algunas emisoras y con un preciso coro estilo “Espirituals”, nos recuerda que el primer paso para lograr un cambio es desearlo.

Excelentes los covers de “Love Comes To Everyone” y “I´m Going Left”. El primero un clásico de su partner de siempre, el ex-beatle George Harrison, canción pop que se hizo famosa en los años 80 y que Clapton rescata del baúl de los recuerdos, sin lugar a dudas un pequeño tributo al autor de “Something”. “I´m Going Left”, en cambio, toma la esencia de la música negra en los acordes de Stevie Wonder. Con un coro gospel de fondo, el ex guitarrista de los “Yardbirds” adorna a la perfección las cadencias bailables que caracterizan la música del cantante de color.

Respecto al sentimiento que rodea “Back Home”, Eric explica: “este disco completa ese ciclo en términos de hablar sobre mi viaje como músico itinerante y donde me encuentro ahora mismo, comenzando una nueva familia. Por eso elegí ese título. Habla de regresar al hogar y de estar en casa”.

Un viaje totalmente recomendable.

“Back Home” de Eric Clapton incluye:

1. So Tired - (Clapton, Climie) 2. Say What You Will - (Clapton, Climie) 3. I'm Going Left - (Stevie Wonder, Syreeta Wright) 4. Love Don't Love Nobody - (Joseph Jefferson, Charles Simmons) 5. Revolution - (Clapton, Climie) 6. Love Comes To Everyone - (Harrison) 7. Lost And Found - (Doyle Bramhall II, Eric Clapton, Jeremy Stacey) 8. Piece of my Heart - (Doyle Bramhall II, Suzanna Melvoin, Mike Elizondo) 9. One Day - (Vince Gill, Beverley Darnell) 10. One Track Mind - (Clapton, Climie) 11. Run Home To Me - (Clapton, Climie) 12. Back Home – (Clapton)

Reprise Records, 2005

Saludos a todos

2006-01-27T12:39:00.000-03:00

Esto es lo primero que escribo en mi blog. Próximamente espero actualizar los contenidos de la página para que puedan conocerme y ver los temas que me apasionan.

Saludos a todos